Blogo Bizarro

Aterrizando en Bilbao. Calentando motores para el BBK Live

2009-07-09T17:49:00.006+02:00

Recién aterrizado en el aeropuerto de 'Bilbo'

Unas líneas (muy) rápidas...

En quince minutos he quedado con el resto del equipo de Radio 3 para subir al Monte Kobetas, donde acaba de comenzar a celebrarae el Bilbao BBK Live. Desde allí, Arturo Paniagua y un servidor retransmitiremos lo mejor de las tres jornadas del festival.

En su cuarta edición, el BBK ha sembrado grandes expectativas. Ahora tendrá que empezar a cumplirlas. De primeras, esta noche se presenta de lo más sugerente: DEPECHE MODE, EDITORS, BASEMENT JAXX, VETUSTA MORLA y un grupo al que tengo especial interés escuchar: THE TING TINGS... from Manchester (¡la modernez hecha carne!).

No hay tiempo para más. La crónica, esta noche.

Agur!

Se fue el hombre que paseaba sobre la Luna...

2009-06-26T09:51:00.005+02:00

Es incuestionable: Michael Jackson fue siempre parte imprescindible de lo que considero mi universo musical.

Es indiscutible también que firmó algunos de los episodios más importantes del pop de los últimos treinta años.

El 'Moonwalker', el hombre que paseaba sobre la Luna, ha muerto a sus 50 años.

Hoy empieza todo

2009-06-08T20:09:00.005+02:00

lunes, 8 de junio de 2009, 6.15 a.m.
mirando al reflejo entre las legañas
dispuesto a desayunarme el mundo

Poco a poco voy dejando atrás una etapa...
ya casi ni vuelvo la cabeza para ver cómo se aleja...
Da igual... algo está comenzando...
o mejor dicho:

HOY EMPIEZA TODO.

(Primer día de trabajo en Hoy empieza todo, Radio 3, Radio Nacional de España).

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Old Devils', William Elliott Whitmore

2009-06-02T16:16:00.002+02:00

Vuelven las Canciones de la semana al Blogo Bizarro. Para esta entrega, un reciente descubrimiento: William Elliott Whitmore interpretando en directo la apocalíptica 'Old Devils', incluida en su último disco, Animals in the Dark (ANTI, 2009). Con poco más de 30 años, llega desde el sur de los EE UU, en concreto de la ciudad de Lee County, en el estado de Iowa, a orillas del Mississippi. Pero este bluesman blanco no es nuevo en el oficio. El sello ANTI, que ya había impulsado a otras incipientes figuras de blues-folk y publicado los últimos y exquisitos trabajos de Tom Waits (Mule Variations, Alice, Real Gone...), se fijó en este tipo de voz profunda y rasgada que a sus espaldas contaba ya con cinco álbumes editados para Southern Records (The Jarret Mitchel demo album, Calendar Club of Danger and Fun, Hymns for the Hopeless, Ashes to Dust y Song of the Blackbird).

El resultado de Animals in the Dark es redondo: aquí encontramos desde himnos contra la clase política más conservadora hasta estribillos obsesivos y escalofriantes como los de 'A Good Day to Die'. Todo ello rodeado de una atmósfera oscura que a veces deja pasar algún rayo de luz, tejida con percusiones insistentes y minimalistas, banjos, guitarras acústicas, pedal steel, órgano Hammond -cuando el músico muestra su lado más soul- sin olvidar, cómo no, la tremebunda voz de Whitmore; parafraseando a David Morán en su crítica para el número 273 de Rockdelux, este tipo "podría tener perfectamente 60 años o 120".

Vuelven los 'viejos demonios'...

¡Disparate pop! ¡Dispárate, pop! ¡Dispárate pop!

2009-06-01T12:54:00.004+02:00

Rara es la vez que no me levanto de la cama tarareando alguna canción conocida. Lo curioso es que casi nunca soy yo quien elige el tema, sino que éste, por caprichos del azar o de qué se yo, se introduce escurridizamente en mi cabeza. Así, sin más.

El caso es que esta mañana experimenté algo realmente turbador... De repente, sin ningún sentido ni razón aparentes, tuvo lugar en mi mollera un fenómeno paranormal y escalofriante incluso para mi habitual entropía mental -con esto tampoco sé muy bien lo que he querido decir, pero ya me entendéis, supongo-... Todo sucedió a la hora del desayuno -normalmente pasado el mediodía-, cuando me encontraba canturreando el 'Hungry Heart' de Bruno el Primaveras -o Bruno el Adolescente Primaveral-, más conocido en el mundo anglosajón como Bruce Springsteen o The Boss -nada que ver con los perfumes-. Entonces sucedió. Justo cuando entonaba el estribillo -"Everybodys got a hungry heart"- se coló en mi cabeza, sonando a la misma vez, en completa armonía, el estribillo del 'Qué difícil es hacer el amor en un Simca 1000' de Los Inhumanos. Todo cuadraba perfectamente, por momentos eran la misma canción... Acojonante...

Podéis comprobarlo vosotros mismos en los siguientes vídeos. Las canciones no están en el mismo tono, pero la armonía (los acordes) es la misma. Si prestáis un poco de atención os daréis cuenta.

Nota: 'Qué difícil es hacer el amor en un Simca 1000' fue editada ocho años después (1988) de que apareciera 'Hungry Heart' (1980).

Cira llega al Tempo

2009-05-28T22:59:00.005+02:00

Foto: One Dragones

Después de un intenso ensayo general, Cira y la Crew -Raúl Marques, Nico Roca, David Elorriaga y un servidor- se preparan para asaltar el Tempo Club. Será este viernes 29 de mayo, a partir de las 22.30 horas, en la madrileña calle Duque de Osuna (Metro Plaza España, línea 3 y 10). Por el escenario desfilarán las canciones del primer EP de la pacense, Portugal, acompañadas por nuevos temas y versiones que Cira lleva a su territorio con elegancia, garra y actitud.

Cira: voz, guitarra acústica
Raúl Marques: trompeta, guitarra portuguesa, percusión, coros
Nico Roca: batería, percusión
David Elorriaga: bajo, coros
Julio 'Pollo Feliz' Ródenas: guitarra eléctrica, coros

Y a ti, ¿te gusta lactar?

2009-05-27T01:56:00.003+02:00

El mundo de la publicidad no conoce límites. Ahora parece que entre los publicitarios o publicistas -algún día habría que diseccionar las cabezas de estos tipos... cuando ya estén en formol, claro- cunden ideas surrealistas a la vez que echan mano del humor más absurdo. Véase la actual campaña de 'Mixta' (¡Sabe a Mixta!) -no he cobrado un céntimo por esta publicidad, ¡lo juro!-. Pero cuando pensaba que nada podía superar el grado de surrealismo de estos anuncios, encuentro en la red de redes promociones realmente... ¡desconcertantes y turbadoras! Desde luego que la vida no va a ser lo mismo para nadie después de ver el desternillante spot de 'Leche Desnatada Pascual' que, en los años ochenta, parieron las mentes de un equipo de creativos que quizás, ay, no estaban en su mejor día... ¿o quizás sí?

Del anuncio en cuestión, escalofriantemente ambientado con una suerte de rap-pop nuevaolero -¡qué disparate de etiqueta!-, he destacado varios momentos a tener en consideración:

a) Que 'Leche Desnatada Pascual' es la favorita de sofisticadas chicas macizas, gimnastas paquetudos, bailarinas pasadas de moda, camioneros macarras, hombres del campo, amas de casa fumadoras de Nobel, jugadores de golf con experiencia en anuncios de 'Just for men'...

b) Frase fundamental: "Porque tiene proteínas, vitaminas, minerales... y lo que la vaca da" -quizá a parte de leche nos regalen algo más, ¡vamos a comprarla todos!-

c) Frase fundamental II: "La Leche Desnatada Pascual... ¡y tiene mucha marcha!" -puede que lo de Chimo Bayo tuviera que ver más con los lácteos y no con ese burdo rumor del "exta sí, exta no"...

d) El colofón, perfectamente rapeado: "Leche uperisada desnatada Pascual... ¡ayuda a no engordar!"

Y a ti, ¿te gusta lactar?

Sensibilidad abrumadora. Triste adiós a Antonio Vega

2009-05-12T16:26:00.007+02:00

Confieso que nunca fui un gran conocedor de su obra, pero la reciente muerte de Antonio Vega -ha fallecido esta mañana, a los 51 años, a causa de un cáncer de pulmón- me ha sobrecogido.

No crecí con sus canciones, pero siempre he sentido por el músico un profundo respeto, y 'El sitio de mi recreo', 'Lucha de gigantes', 'Se dejaba llevar' o 'Chica de ayer' sigo considerándolas como verdaderas joyas dentro de lo mejor del pop español.

Busco información de Antonio en la red, leo el obituario que ha escrito Diego A. Manrique, repaso el homenaje que le ha hecho Radio 3, recuerdo y descubro algunas de sus canciones mientras el escalofrío que recorre mi espalda toma forma de certeza: tuvimos entre nosotros a uno de los mejores escritores de pop en castellano, a un músico de una sensibilidad abrumadora... Terrible pérdida...

...los pelos de punta...

Aquí dejo una versión en directo de 'Se dejaba llevar' (la original se encuentra en su debut en solitario, No me iré mañana, publicado en 1991), el videoclip de 'El sitio de mi recreo' (El sitio de mi recreo, 1992) y la entrevista que le hizo Santiago Alcanda en 1991 para el desaparecido programa Top Madrid (Telemadrid).

¡Coge el ukelele, Darth!

2009-04-27T18:04:00.004+02:00

Una excepcional revisión de la 'Marcha Imperial' a cargo de los japoneses Kuricorder Quartet.

Secuelas de la relojería suiza para niños

2009-04-27T01:25:00.002+02:00

Y así quedaron algunas mentes privilegiadas de nuestra generación...

Variedades Azafrán quieren rematar La Faena

2009-04-22T14:47:00.003+02:00

Guille, Rafa y Julio 'Pollo Feliz' regresan a los escenarios con Variedades Azafrán, su particular espectáculo musical donde mezclan dosis de buen hacer y cachondeo con tango, ranchera, swing y otras mieles viejunas -¡pero refrescantes!-. Será mañana, jueves 23 de abril, en la madrileña sala La Faena (c/Mochuelo, 7. Metro Carpetana, línea 6. Bus 17).

Rechazen imitaciones, ¡¡¡los auténticos azafraneros han vuelto!!!

Variedades Azafrán son:
Rafael Andújar: voz y lagrimeos
Guillermo Domercq: guitarras, piano, cacerolas, bajo, melódica,ukelele, percusiones, flautas, botella de Anís del Mono...y lo que sea de mandar
Julio 'Pollo Feliz' Ródenas: guitarras y coros angelicales

Tengo el ojete nui... ¡NUI!

2009-04-19T23:42:00.008+02:00

Aún recuerdo perfectamente cuando mi amigo Edu y yo hacíamos cada semana la 'moviola' de La hora chanante y rematábamos con la orgullosa frase "son los nuevos héroes del humor". Estábamos convencidos y todavía hoy lo seguimos proclamando a las cuatro ventosidades. Es verdad que cuando ficharon por La 2 de Televisión Española (TVE) hubo algunas dudas que revolotearon sobre nuestras cabezas cual torcaces en celo: "¿Seguirán manteniendo el nivel?", "¿Se verán obligados a hacer concesiones en detrimento del riesgo habitual del proyecto?" Casi dos años después de la primera emisión, los manchegos han desmontado las teorías de los más escépticos, y su nueva encarnación en la cadena pública, Muchachada nui, se ha consolidado como un espacio de humor con personalidad, con una audiencia pequeña pero muy fiel, sin olvidar a toda la gente que sigue los sketches a través de Internet. Algunos no se habían desenganchado de ellos desde que el canal por cable Paramount Comedy puso en antena La hora chanante el 5 de mayo de 2002; otros se subieron al carro desde que vieron la parodia de Bono -el cantante de U2, no el presidente del Congreso- en el primer 'Celebrities' emitido en TVE.

O los amas o los odias, pero lo cierto es que las absurdas y surrealistas ideas de Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla, Julián López y Raúl Cimas no dejan indiferente a nadie. Te pueden gustar más o menos, pero es indiscutible que lo suyo es humor con sello propio. No sé si podemos hablar de humor albaceteño, ¡pero desde luego sí de humor chanante! Por supuestos que hay unas influencias que remiten tanto a grandes cómicos -Gila, Faemino y Cansado, Monty Python...- como al costumbrismo manchego, pero, al menos un servidor, nunca había visto antes esta forma de hacer reír: el lenguaje, las miradas, los gestos, el regustillo freaky, las innumerables referencias a aparatos, juguetes y películas de los ochenta... Puede que este último ingrediente sea el culpable de que Muchachada nui llegue mucho más a los españoles de la generación de finales de los setenta y principios de los ochenta, que a nuestros padres. Así como La hora de José Mota busca contentar a toda la familia, Reyes y compañía apuestan por un humor más complicado de entender para la población que nació antes de la última treintena del siglo pasado -la frase es rebuscada, lo sé, pero no me quedaba otra forma de decirlo sin repetirme-. Tampoco mantengo que sea el único motivo, ya que también entra en juego el tipo de humor con el que empatice cada uno, pero, vosotros, muchachos, que habéis votado a Muchachada nui como el programa con el que más os partís la caja, ¿qué opináis? También podéis participar -en la opción 'Comentarios- anotando vuestros preferidos en las siguientes categorías -tenéis todos los vídeos en www.muchachadanui.rtve.es-:

-Celebrities.
-Personaje.
-Sketch.
-Mundo viejuno.
(En realidad podéis votar como os dé la gana)

Yo cuelgo mis votaciones en forma de video desde ya -¡es difícil decidirse!-. Y, por cierto, un último apunte, como curiosidad, el nombre del programa viene de una combinación de palabras: 'muchachada', que es una palabra que utilizan mucho en su vocabulario albaceteño, y 'nui', que, según Ernesto Sevilla, proviene de la expresión 'ojete nui', usada "cuando te pica el ojete porque no te has lavado bien".

Celebrities: John Travolta (Temporada 2. Episodio 2)

Personaje: Perro Muchacho (Temporada 3. Episodio 4)

Sketch: Demasiada pasión por los suyo-Vincent Van Gogh (Temporada 1. Episodio 12)

Mundo viejuno: ¿Dónde está mi muñeco favorito? (Episodio 13. Temporada 2)

Suela de zapato: David Lynch

2009-04-17T03:16:00.004+02:00

¡Que no si diga! A Blogo Bizarro llegó la moda de inaugurar secciones -otra cosa después es seguir insuflándoles vida-, así que como este bendito espacio en la red de redes es mío y conozco personalmente a los responsables de Blogger -nos reunimos de vez en cuando en 'El Eusebio' del Paseo de Extremadura-, me permito la licencia de comenzar un nuevo cajón de imbecilidades varias. ¡Faltaría más! (o menos, nunca sé muy bien cuándo se dice cada una). En Suela de zapato sacaré a la palestra a esas mentes vivientes o perecidas que de darle tantas vueltas y vueltas a la mollera se han quedado más pasados que un filete frito a conciencia; sólo aplicando este cariño en la cocina se consigue tan fina textura cárnica.

En esta primera entrega contamos con el enigmático, críptico e indescriptible cineasta David Lynch, que acaba de estrenar el videoclip que ha realizado para el single de presentación del nuevo disco de Moby, 'Shot in the back of the head' (el álbum se titula Wait for me y se publicará el próximo 29 de junio). Os dejo el clip en cuestión y un fragmento de una entrevista en la que nuestro querido David muestra un gracioso movimiento de manos, cuyos dedos danzan ondulantes como salvajes olas en la costa de Benidorm. ¡Mirad, mirad, incrédulos!

Shot In The Back Of The Head from Moby on Vimeo.

Gracias a Nuna por enseñarme la entrevista de Lynch.

NEOPROFETAS DEL FOLK: José Salmerón y sus marismas

2009-04-08T18:01:00.002+02:00

Un gran estudioso de las flores de Bach, como lo es José Salmerón, no puede conformarse con el mero hecho de analizar y difundir las bondades de tal fenómeno de la medicina alternativa contemporánea. No, amigos: el bueno de Salmerón va mucho más allá para fusionar divulgación con poesía, rigor con belleza.

Ingredientes:

-Desafine su guitarra.

-No se esfuerce por entonar.

-Ni por asomo intente imprimir la más mínima motivación en el canto.

¡Listo!: 'Pensando en la marisma'.

Mensaje intrigante desde los infiernos helados

2009-04-06T01:08:00.002+02:00

Luto por 'El programa de Berto'

2009-04-01T23:22:00.003+02:00

¡¡¡Condenadas audiencias!!! Esos malditos numeritos pueden provocar la desaparición de algunos de los momentos televisivos más dignos (y actualmente los hay muy pocos). De hecho acaba de pasar. Sí, amigos: el humor de calidad ha sufrido una baja importante con la decisión de La Sexta de retirar El programa de Berto, que ha durado tan sólo tres emisiones. La última entrega del espacio producido por El Terrat consiguió 663.000 espectadores y un 3'3 % de share, una cifra que, según la cadena presidida por Emilio Aragón, no ha cumplido con las expectativas. Es verdad que Berto Romero lo tenía realmente difícil desde el principio; los domingos, a las 22.30, debía competir con Aída (Telecinco, 4.206.000 espectadores y 20'7% de share*) y Doctor Mateo (Antena 3, 3.545.000 espectadores y 17'5% de share*), los dos espacios líderes de las noches domingueras. Pero el error está precisamente en esto, en programar a Berto en esa franja horaria, y no en la calidad del producto, aunque, según ha comunicado La Sexta, de momento no se baraja recuperarlo o reubicarlo.

Lo reconozco: soy un fanático (entiéndase bien) del cómico de las gafas sin cristales, pero no por eso voy a dejar de romper una lanza (y dos si no son muy caras) por un tipo que me ha hecho DES-CO-JO-NAR-ME con originalidad y naturalidad a partes iguales. Lo de Berto, con muy poquito presupuesto, ha tenido mucho más mérito que otros humoristas que cuentan con billetes a cholón y se dedican a perpetuar gags manidos y a convertirse en parodias de sí mismos (un claro ejemplo lo tenéis en La 1 los sábados a las 22.00).

Por fortuna, Buenafuente sigue contando con las apariciones de su querido sobrino y seguiré partiéndome la caja con su perspicaces análisis fotográficos, sus imitaciones de Flipy (El hormiguero, Cuatro) y de los andares de John Wayne y... cómo no, sus ¡zasca!

Snif, snif...

*Datos referentes al 29 de marzo de 2009.

"Hola. Me llamo Íñigo Montoya..."

2009-03-23T01:28:00.003+01:00

Creo que desde que tengo uso de razón (me enteré hace poco de que la tengo), he debido de ver La princesa prometida unas veinte veces, aunque no os creáis demasiado este dato ya que es una frase hecha para exagerar un poco. En cualquier caso, supongo que seré uno más entre esos cientos de muchachos y muchachas que tienen grabada en sus cabezas aquellas míticas palabras que pasará a los anales de la historia: "Hola. Me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir". Por cierto, el actor que daba vida al vengador responde al nombre de Mandy Patinkin, al que podéis ver y escuchar más abajo interpretando el clásico 'Over the raibow'. Un auténtico crack.

Nuestros pequeños Shakespeares

2009-03-19T22:53:00.003+01:00

El otro día estaba en casa de un amigo que me enseñó un documento revelador: en la aulas españolas estan surgiendo auténticos 'Shakespeares': niños precoces que hacen gala de un curioso dominio de la lengua anglosajona. Tan sólo hay que echar un vistazo a las respuestas que nos brinda un alumno en el siguiente examen (un creciente grupo de estudiosos opina que el examinado era realmente el ex presidente del Gobierno José María Aznar):

1. Yo estoy pintando - you e penchi
2. ¿Estás tú cocinando? - amai e cucin
3. Cosa no está durmiendo - cinquin not eeslip
4. Él es - jiis
5. Ella no es - (en blanco)
6. Hablando - choqui
7. La silla - a seta
8. ¡Hola! - gelou
9. Buenos días - gutmoni

VOCABULARIO

1. Tú - allam
2. Cosa - cinki
3. Puerta - dor
4. Correr - ahuani (no está claro)
5. Adiós - baibai (quizás mi preferida)
6. Beber - drinqui (¿alguien podría descifrar la otra palabra?)
7. Cinco - faif
8. Azul - blu
9. Perro - dor
10. Chupachups - lolipot (¡qué crack!)

LAS AVENTURAS DE HÉROE DOMÉSTICO: Encuentros en la tercera fase: la milicia pelusera

2009-03-15T19:44:00.005+01:00

Tras la agonía de Frankfurt, Héroe Doméstico pensaba que las posibilidades de encontrarse con otro fenómeno que le helara la sangre eran nulas... Pero los auténticos aventureros en la limpieza del hogar siempre deben estar dispuestos a afrontar los desafíos más inimaginables. ¡Y Héroe Doméstico era uno de esos aventureros! ¡Uno de esos valientes que sabe perfectamente cuándo debe utilizar una escoba de fibras naturales y cuándo una de fibras sintéticas! Precisamente, fue esta herramienta de limpieza con la que tuvo que apañarse nuestro querido paladín de la pulcritud, el frotado y la desinfección, para derrotar a..

...¡¡¡LA MILICIA PELUSERA!!!

11-M. Cinco años después

2009-03-11T21:32:00.002+01:00

Solidarizado con los familiares de las víctimas del 11-M.
Decepcionado (una vez más) con la clase política.

Poseído por el espíritu Homérico

2009-03-10T18:59:00.004+01:00

Sí, amigos: la cerveza Duff saltó de la ficción a la realidad para entrar con gloria en nuestras horas de sofá y televisión. ¡Bendita cebada la que se cultiva en Springfield!

NEOPROFETAS DEL FOLK: Delfín Quishpe y sus Torres Gemelas

2009-03-05T02:12:00.003+01:00

Magistral labor lírica aderezada con un demencial trabajo de sintetizadores. Para todos vosotros: Delfín Quishpe y su hit 'Torres Gemelas'.

LAS AVENTURAS DE HÉROE DOMÉSTICO: La agonía de Frankfurt

2009-03-05T01:35:00.003+01:00

Héroe Doméstico es un tipo normal. Un hombre preocupado por los quehaceres de su casa. Un individuo que limpia su conciencia de ermitaño vanagloriándose con frases como: "Hoy me quedé en casa todo el día, limpié el horno y me hice los baños", o: "Un azulejo limpio es como el espejo del alma".

Hasta ahora, nada había sido más inquietante que sus últimas reuniones con el mayordomo jubilado de Tenn. Sin embargo, sentencias tan impactantes y trascendetes como "el algodón no engaña" quedaron eclipsadas por el novísimo fenómeno al que asistió Héroe Doméstico. Estamos hablando de...

...¡¡¡LA AGONÍA DE FRANKFURT!!!

(¡subid el volumen!)

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SINTONÍAS DE CALIBRE: Comando G (Parchís)

2009-03-04T13:05:00.003+01:00

"Comando G, Comando G, siempre alerta estááááá". Así empieza uno de los temas más famosos de aquellos cinco chavales barceloneses reunidos por el sello Belter bajo el nombre de Parchís. Sí, amigos: habían cobrado vida las fichas de aquel mítico juego de mesa que nos salvó de innumerables tardes soporíferas, probablemente los únicos momentos de nuestras vidas en los que podíamos decir "hoy me he comido a seis".

Coetáneos de Tequila, los Parchís quisieron ir mucho más lejos que la banda de Ariel Rot y Alejo Stivel: mientras los hispano-argentinos eran el terror de las adolescentes, las imberbes fichas tomaban ventaja haciendo las delicias de fanáticas 'grupis' que apenas habían abandonado el jardín infantil... Inquietante...

Llegados a este punto, y si el lector resulta avispado, nos habremos percatado de que en el parchís sólo hay cuatro equipos con sus respectivos colores: rojo, verde, amarillo y azul. Pero he dicho que el grupo contaba con cinco miembros: Tino era la ficha roja (y, por lo general, el solista), Gemma, la ficha verde; Yolanda, la ficha amarilla (y además hija del genial trompetista Rudy Ventura) y Óscar, la ficha azul (el más pequeño de la formación)... ¡pero faltaba David! Supongo que no sabían muy bien qué hacer con él y le encasquetaron el azaroso personaje de... DADO. "¡Claro! Lo vestimos de blanco y, así, será el dado, y ya está, venga, vámonos a comer que hemos desayunado hace media hora y tengo hambre", diría algún cerebro de Belter. ¡Pero un dado no es blanco! ¡Un dado es blanco con puntitos negros! ¿Dónde estaban aquellas motas oscuras en el traje del pobre David...?

-Pero si no existen las fichas blancas, ¿tú de qué vas?
-No... yo es que voy... voy de dado... de dado pero sin números... ¿sabes?
-Ahm...

David: siempre sería el gran incomprendido.

Volviendo al tema central de la serie 'La batalla de los planetas' (versión occidental de la japonesa 'Gatchaman'), es una frikada, cierto, pero no sólo por eso la he colgado en este Blogo Bizarro, sino también por los magníficos arreglos instrumentales, algo bastante común en las sintonías de los dibujos animados de los setenta y ochenta. Al igual que en la canción de 'Mazinger Z', los arreglistas de 'Comando G' juegan con el disco funk y el rhythm and blues orquestado. Cierto, hay un poso hortera importante, pero también encontramos ese qué-sé-yo vintage que hace a estas sintonías tan entrañables y potentes.

Mención especial para el video del tema, no tiene desperdicio. Hacia la mitad de la canción, podemos disfrutar del espectacular baile robótico del dado David, que abandonó el grupo por una fructífera carrera en la publicidad, aunque bien podría haber sido el nuevo fenómeno de la danza contemporánea. Por lo que respecta a Tino, el solista, aquel día fue devorado por la desidia y se limitó al típico movimiento conocido como... PASO DE BAILAR PERO ALGO TENDRÉ QUE HACER. Quizás, puestos a demostrar que eres sencillamente patético sobre una pista de baile incluso cuando estás grabando un video promocional que lo verá toda España y parte de América Latina, la ficha roja podría haber combinado su monótono movimiento de piernas hacia un lado y otro con unas palmas esporádicas y desacompasadas con la música. Os aseguro que si os fijáis bien, en toda discoteca pachanguera habrá siempre un tío con la cabeza gacha y dando palmas de vez en cuando de manera totalmente arrítmica. Suele ser un tipo bastante gris para el que todo el rollo de la música y las luces está en una dimensión completamente distinta a la suya. Es como si hubieran juntado agua y aceite. ¡¿Pero quién metió a ese hombre en una discoteca!? ¡Sáquenlo de ahí, por el amor de Dios, lo está pasando realmente mal!

Por cierto, si a alguien le interesa, los Parchís se volvieron a reunir el 4 de novimebre de 2006 en lo que se llamó... ¡'LA PARCHIQUEDADA'! Que también manda bemoles la historia: me imagino al bueno de David con sus cuarenta tacos diciéndole a su mujer:

-Cariño, no me esperes despierta esta noche, llegaré tarde...
-¿Pero por qué?
-Bueno... es que... mira... es que tengo eso de la 'Parchiquedada', ya sabes...
-Cariño, pero si tú eras sólo el dado.

Aprendiendo a ver televisión

2009-02-06T02:01:00.005+01:00

Hacer zapping a ciertas horas de la madrugada es un crimen tan sólo comparable a la gran estafa de Bernard L. Madoff o los abusos israelíes contra Palestina. Para colmo, naufragué en un programa batidora, es decir, más zapping. Fue en este nutrido espacio de memeces donde empecé mi olvidable aventura televisiva.

El espectáculo arrancó con una interesante basura del calibre de 'El juego de tu vida' -un programa polígrafo factoría Telecinco-. Pero para mi sorpresa, aquello resultó ser uno de los mayores hervideros de chistes desde el añorado 'No te rías que es peor'. Es cierto que en el programa de Telecinco no sale Barragán, pero sí un infame grupo de guionistas capaces de engendrar y escupir las preguntas más hilarantes y surrealistas. Para que la esquiva memoria no me fallara en momentos sociales fundamentales -como el que nos une en este instante, querido lector-, anoté algunas de estas cuestiones en una libreta de tapas azules sobre la que puede leerse: 'GESTIÓN'. Aquí van:

"¿Es verdad que la primera vez que tuviste un orgasmo tu mujer pensó que te habías muerto?"

"¿Has pensado alguna vez que te gustaría ver a tus abuelas desnudas?"

"¿Es verdad que en la noche de bodas le pusiste a tu novia el camisón de tu abuela?"

Es curioso porque, habiendo el concursante contestado afirmativamente a las dos últimas preguntas, se deduce que este individuo prefiere tapar un poquito a su novia pero quitarle el vestido a bocados a su abuela. Inquietante personaje.

La verdad es que todo esto de 'El juego de tu vida' me dejó sin fuerzas debido a unos terribles dolores de estómago causados por la carcajada, así que me fui feliz al catre, no sin antes cambiar de canal y claudicar la noche con la mujer de las tetas y el culo más recauchutados de la historia. Un ser humano que cuando se sienta debe de parecer una especie de tentetieso -que los profanos pinchen en el enlace- con un manillar de goma en medio del torax. O mejor dicho, uno de esos saltadores de goma sobre los que te montas y puedes ir botando de tu casa al trabajo. Intentadlo. Yo me voy otra vez al catre.

Cierre temporal del Blogo Bizarro.

2009-01-19T13:40:00.003+01:00

Blogo Bizarro cierra temporalmente sus puertas hasta la recuperación de la red. Disculpen las molestias. Ciao, pescaos.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Christmas card from a hooker in Minneapolis', Tom Waits

2008-12-25T14:02:00.003+01:00

Nunca está de más escuchar con atención a Tom Waits en unas fechas en las que se imposta tanto y el mundo nos hace creer que la felicidad rezuma de cada poro del planeta. El de Pomona echa mano de la ironía y la acidez para pintar una especie de cara b de postal navideña: la versión cruda y callejera de la fiesta, poblada de putas, borrachos y psicópatas. En 'Christmas card from a hooker in Minneapolis', incluída en el genial disco Blue Valentines (Elektra, 1978), una prostituta escribe a su amante contándole lo bien que le va la vida, aunque hacia el final de la canción descubrimos que todo es un autoengaño y que sigue tan mal como siempre. Lo único que necesita es dinero: "Hey Charley / for chrissakes / do you want to know / the truth of it? / I don't have a husband / he don't play the trombone / and I need to borrow money / to pay this lawyer / and Charley, hey / I'll be eligible for parole / come valentines day".

Para rematar la jugada, en esta versión en directo, Waits añade el villancico 'Silent Night' ('Noche de paz'). Ironía hecha canción.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Jesus, etc.', Wilco

2008-12-18T00:15:00.006+01:00

Desde que se resarcieron de la escasa repercusión que tuvo su debut, A.M. (1995), los estadounidenses Wilco -abreviatura usada en el argot militar de 'We'll accomplished' ('Nosotros cumpliremos')- no han parado de facturar con suma elegancia pop de aromas folkies, countries y experimentales. Su segundo álbum ya lo demostró. El doble Being there salió a finales de 1996, dejó pasamado a la crítica e hizo que su público fuera multiplicándose como una plaga.

Aunque puede que no todos hayan llegado a asimilar su cuarto trabajo en estudio, Yankee Hotel Foxtrot, con el que Wilco consigue dar una vuelta de tuerca a su sonido. Más introspectivo, experimental y retorcido, Yankee... contiene algunas de las mejores canciones del grupo de Jeff Tweedy: el increíble comienzo que supone 'I am Trying To Break Your Heart', la minimalista 'Radio Cure' -con esos graves de piano sonando muy al fondo de la grabación-, la confidencial 'Kamera' -"Necesito una cámara para que mi ojo recuerde qué mentiras he estado ocultando", canta Tweedy-, las políticamente comprometidas 'War on War' y 'Ashes of American Flags'... Y por supuesto la canción de la semana, 'Jesus, etc.', menos vanguardista que el resto del repertorio pero realmente deliciosa. Un momento único en el disco que muestra a la vez tristeza y esperanza, atmósferas cálidas y frías... y un acertadísimo arreglo de cuerdas.

A Ghost is Born (2004), el directo en Chicago -la ciudad que les vio nacer- Kicking Television (2005) y Sky Blue Sky (2007) son otras huellas que Wilco ha dejado en su camino hacia la consagración. Es una realidad: una de las principales bandas alternativas de EE UU.

El 'Álbum Blanco' de los Beatles: cuatro décadas después

2008-12-10T19:00:00.009+01:00

No hagáis un disco doble, elegid las mejores canciones y editad uno sencillo.

No sé si con las mismas palabras, pero esto fue lo que recomendó el productor George Martin a los Beatles. Sin embargo, John, Paul, George y Ringo no hicieron ni puñetero caso. Menos mal, de lo contrario nunca hubiéramos disfrutado del White album o Álbum blanco -en realidad titulado sencillamente The Beatles-, cuyas canciones fueron esbozadas, en su mayoría, durante el viaje espiritual que hizo la banda con sus mujers y amigos al monasterio del Maharishi Mahesh Yogui, en Rishikesh (India).

Fue un trabajo histórico y muy especial dentro de la discografía de los Fab Four. Un imprescindible en cualquier colección de clásicos del rock. El Álbum blanco apareció en medio del esplendor del hippismo, en plena época de agitación política, mayo del 68, las reinvidicaciones de los derechos para los negros en EE UU... A pesar de este clima de unión social, es el disco más individualista de la banda, cada vez más desfragmentada. Cada uno se dedicó a grabar sus temas por su cuenta, utilizando a sus compañeros casi como meros músicos de sesión, y en ocasiones ni eso, ya que el bueno de Paul llegó a grabar casi todos los instrumentos en algunas de sus canciones, incluyendo las baterías, punto principal que llevó a Ringo a marcharse de la banda durante una temporada -poco después McCartney lo convenció para que volviera-.

También es el disco en el que participa un inspiradísimo Eric Clapton, aportando su guitarra gimiente en 'While my guitar gently weeps' (Harrison), una de las mejores piezas del grupo.

'While my guitar gently weeps' (Harrison)

Pero la apertura de la banda hacia las colaboraciones ajenas también tuvo su reverso tenebroso: el White Album supuso la intromisión de Yoko Ono en los Beatles. Musa absoluta de Lennon por aquella época, Ono metió sus narices en todo lo que pudo. Fintó, dribló y llegó hasta la mismísima cocina de los Fab Four. No sólo se quedaba a dormir en los propios estudios de grabación, sino que hizo coros en canciones como 'The continuing story of Bungalow Bill' (Lennon) y protagonizó un hecho nunca visto en la carrera del grupo: cantó ella solita una línea de la letra de este tema.

'The continuing story of Bungalow Bill' (Lennon)

La artista japonesa fue además influencia clave en varias de las canciones que compuso Lennon para este álbum: ELLA figuró como temática -'Yer blues', 'I'm so tired'- y ELLA introdujo al beatle miope en las técnicas de composición dadísta, lo que llevó al músico a pergeñar collages de palabras inconexas en temas como 'Glass onion' o 'Happiness is a warm gun' -¡cinco canciones en una!-, dos cortes esenciales en el doble Lp.

'Happiness is a warm gun' (Lennon)

Al margen de la oscura figura de Ono, el Álbum blanco también fue el primer disco de los Beatles en el que podemos escuchar la técnica de guitarra 'fingerpicking', deudora de las enseñanzas de Donovan durante su estancia con el grupo en la India. McCartney se aplicó y explotó esta técnica para componer una de las canciones más hermosas de la banda, 'Blackbird'.

'Blackbird' (McCartney)

El doble disco de los Beatles también función, lamentablemente, como inspiración demoníaca para que, el 9 de agosto de 1969, Charles Manson y cuatro de sus discípulos entraran en la casa que tenía Roman Polansky en Cielo Drive (Hollywood) y asesinaran sanguinariamente a su mujer, Sharon Tate -pasaba sus últimos días de embarazo-, y a unos amigos del director. McCartney había escrito 'Helter Skelter' con el inocente propósito de componer una canción más arrolladora que el 'I Can See For Miles' de los Who, pero el colgado de Manson creyó ver una señal del Diablo en la letra, una libre interpretación que volvió a permitirse con 'Piggies', de Harrison, quien sólo quería satirizar a las clases medias pijas. Dos canciones que terminaron en tragedia.

'Helter Skelter' (McCartney)

Pero el White Album también es el disco de temas magníficos como 'Julia' (Lennon refleja el trauma que le dejó la muerte de su madre, atropellada en 1958), 'Rocky Racoon' (dedicada a Rocky Sassoon, el famoso peluquero del Swinging London), 'Back in the USSR' (grabada cuando los tanques soviéticos aplastaban las primavera de Praga), 'Dear Prudence' (dedicada a la hermana de la actriz Mia Farrow), 'Sexy Sadie' (con referencias al rumor de que el Maharishi había intentado beneficiarse a Mia Farrow en Rishikesh) o las políticamente comprometidas 'Revolution 1' y 'Revolution 9'.

'Dear Prudence' (Lennon)

'Sexy Sadie' (Lennon)

Incluso descartando los temas más flojos, hubiera sido imposible editar un Lp sencillo. Imposible. Demasiadas canciones magnéticas para no rendirse al Lennon más ácido y excéntrico, al McCartney más aplicado y frágil, al Harrison más profundo e inspirado, al Ringo compositor... Todos están en ese álbum de portada impoluta, en el disco más ecléctico y maravillosamente incoherente de los Beatles.

"Happineeeeeeess is warm guuuuun... Bang bang shoot shoot!!!!!"

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Haitian fight song', Charles Mingus

2008-12-09T00:06:00.006+01:00

Tras una inevitable semana de ausencia, el Blogo Bizarro recobra su pulso habitual: música, música y más música.

Por primera vez el jazz es el protagonista de la sección Canción de la semana. En 1957, el genio del contrabajo Charles Mingus (Nogales, Arizona, EE UU, 1922 - Cuernavaca, México, 1979) lanzó The Clown, su segundo Lp con Atlantic, por entonces un sello independiente, fundado nueve años atrás en Nueva York por Herb Abramson y Ahmet Ertegun. Con su primer álbum en la discográfica neoyorquina, Pithecanthropus erectus -grabado en 1956-, Mingus anticipó lo que mostraría definitivamente en The Clown: un nuevo vocabulario jazzístico en el que convivían el blues, las raíces de la música religiosa afroamericana y las influencias de los compositores clásicos del siglo XX.

Shafi Hadi (saxo alto), Wade Legge (piano), Dannie Richmond (batería), Jimmy Knepper (trombón) y el propio Mingus al contrabajo dieron forma a esta obra maestra, donde se incluye la increíble 'Haitian fight song', elegida como canción para esta semana. Groove, swing... un momento realmente salvaje, obra de un hombre absolutamente clave para la evolución del jazz moderno. Un genio que comenzó escribiendo en su autobiografía*: "Yo soy tres".

* Menos que un perro (Beneath the underdog), Mondadori, Barcelona, 2000.

Averiado

2008-12-04T12:36:00.004+01:00

Caí en combate. Volví tocado a Madrid, aunque no hundido. Ahora mismo me encuentro escribiendo estas líneas desde la cama, con 37 de fiebre. El ordenador en una bandeja que reposa sobre mis piernas. Parece mi comida de enfermo. De todas formas, pensé que iba a ser peor; creo que atajé rápido la avería y voy mejorando poco a poco.

El viaje a Murcia fue tranquilo: partí hacia la tierra añorada escuchando el Outlandos d'amour de Police, 12 segundos de oscuridad de Jorge Drexler, un recopilatorio casero de Curtis Mayfield... y no, no pinché al bueno de Quique González. ¡Qué raro! Ahora bien, el sábado estuve viendo al madrileño y a su Aristocracia del Barrio tocando como los dioses, arrancándonos los corazones con cada canción: 'Vidas cruzadas', 'Salitre', 'Caminando en círculos', 'El campeón', 'Pájaros mojados', 'Hay partida', 'Calles de Madrid', 'Nos invaden los rusos'... así hasta completar más de horas de concierto, con las colaboraciones estelares de Carlos Raya (¡10!) y Rebeca Jiménez.

Nunca nos cansaremos de repetir que Quique está en plena forma, que es como un maldito cohete disparado y que no sabemos hasta dónde llegarán sus cotas creativas. Supongo que muchos, cuando seamos mayores, queremos ser como él.

Y ahora: a seguir sudando la fiebre.

La redención llega en forma paracetamol, clorfenamina maleato y fenilefrina clorhidrato.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Bugman', Blur

2008-11-27T00:34:00.003+01:00

Oasis o Blur. Con los años, el debate se ha transformado en una elección tópica más, comparable a las de elija usted entre Barça y Madrid, entre PSOE y PP, entre Beatles y Rolling Stones...

Lo cierto es que el brit pop mantendrá eternamente una clara división: seguidores de los hermanos Gallagher o fanáticos de la banda de Damon Albarn.

Precisamente, esta noche he leído en la revista digital Efe Eme, que el líder de Blur ha confirmado el regreso del grupo. "Es seguro que Blur va a ensayar, y vamos a ver si sonamos como antes", ha dicho el músico de Whitechapel, que estrenó el pasado martes, en el BBC Theatre de Londres, su ópera The monkey: Journey to the West. Esto, por ejemplo, es algo que no imagino haciendo a los Gallagher. Y aquí es donde toca desmarcarse. Si bien es reconocible que Oasis se ganaron su propia medalla como autores de un rock maduro y saludable para la escena pop global -con una marcada herencia del sonido Beatle, todo hay que decirlo-, también es verdad que Blur siempre fueron un paso por delante.

Algunos decían -y siguen manteniéndolo- que una canción buena del grupo de Albarn es como una de las malas de los Gallagher. Arriesgada y desacaertada conclusión, sin duda. Pero dejando este tipo de inostenibles e insoportables argumentos groupies, la realidad es que Damon Albarn, y por extensión Blur, siempre fueron más experimentadores, más científicos de la música. En cierto momento, pasado el ecuador de los 90, cuando Blur se sacaron de la manga pelotazos como 'Song 2' o 'Beetlebum', Albarn podría haber optado por echar el ancla en aguas tranquilas y dejar al grupo en pleno estancamiento sonoro, repitiendo una y otra vez la fórmula de discos como Parklife (1994), The great escape (1995) y Blur (1997). En cambio, la banda se despidió del siglo XX lanzando un álbum que daba una vuelta de tuerca a su sonido. En efecto, 13 (1999) anticipaba el eclecticismo que fluía en la cabeza de Albarn y que continuaría desarrollándose en el envoltorio electrónico del último álbum de estudio de Blur hasta la fecha, Think tank (2003) -ya sin el guitarrista Graham Coxon-, proyectos de aires hip-hop (Gorillaz), rock alternativo (The Good, The Bad and The Queen, con el genio del afrobeat Tony Allen a la batería, el ex bajista de los Clash, Paul Simonon, y el ex guitarrista de los Verve, Simon Tong-, y colaboraciones con Fatboy Slim y Michael Nyman.

Y ahora que ya sabemos que Blur volverán el próximo año, queda esperar el siguiente paso que dará la banda. Se abre, principalmente, dos caminos: el de limitarse a seguir tocando el repertorio existente -la postura continuísta- o el de lanzarse una vez más a la piscina y sorprender con nuevos sonidos -la postura progresista-.

De momento, el Blogo Bizarro se queda con este 'Bugman', incluído en 13.

SINTONÍAS DE CALIBRE: Benny Hill (Boots Randolph)

2008-11-25T00:58:00.004+01:00

Si la muchachada blogotroter escucha el nombre de Benny Hill, le viene rápidamente a la cabeza la famosa sintonía del programa que emitió la Thames Television desde 1969 hasta 1989 -aunque el show comenzó en la BBC en 1955-. Los de mi quinta disfrutamos de los descarados sketches de Hill ya entrada la década de los noventa, cuando el humorista inglés comenzó a aparecer en una todavía emergente Telecinco -sí, también era la época de las Mama Chicho y del jovial Emilio Aragón con smoking y zapatillas blancas-. Aquella música incitaba a vivir la vida de manera gamberra y, por supuesto, a cámara rápida.

Pues bien, la manida sintonía no es sino una adaptación del tema 'Yakety sax', compuesto por el saxofonista de Kentucky Boots Randolph (1927-2007). Músico habitual de las sesiones del sello de Nashville Monument Records -Willie Nelson, Kris Kristofferson, Dolly Parton...-, y de varios discos de Elvis Presley, Randolph se curtió como instrumentista en el ejército en las postrimerías de la II Guerra Mundial. Fue en 1963 cuando el saxofonista grabó y editó lo que años más tarde se convertiría en la sintonía de El show de Benny Hill.

Dos años después del nacimiento de 'Yakety sax', 'un tal' Chet Atkins, amigo de Randolph, adaptó el tema para su Gretch. El genial guitarrista (1924-2001), pionero del 'sonido Nashville' -versión suavizada del country para captar a un público más amplio-, rebautizó la canción como 'Yakety axe', que fue lanzada como single en 1965 y se convirtió en su mayor éxito.

Pero la historia de la pieza no acaba aquí, ya que según leo en el obituario que firmó el periodista Adam Berstein para la web del Washington Post, Boots Randolph se inspiró en la canción de los Coasters 'Yakety yak', compuesta, arreglada y producida por el mítico tandem Jerry Leiber/Mike Stoller* en 1958 -¿os suenan temas como 'Hound dog', 'Jailhouse rock' o 'Kansas City'?- La letra describe una típica situación familiar: el padre regaña a su hijo adolescente y éste le responde. En la versión de Randolph, la rebeldía se transforma en picardía, y esto le viene como anillo al dedo al bueno de Benny para encontrar el envoltorio sonoro de su show.

Todo casa. Así que os dejo toda esta línea evolutiva en formato audiovisual para que comprobéis vosotros mismos que (casi) todas las canciones tienen su historia...

'Yakety yak' - The Coasters

'Yakety sax' - Boots Randolph

'Yakety axe' - Chet Atkins

Créditos finales de 'El show de Benny Hill'

* Dos judíos blancos afincados en Nueva York que en las décadas de los 50 y 60 escribieron un puñado de éxitos para decenas de artistas negros.

SINTONÍAS DE CALIBRE: Starsky & Hutch (Tom Scott)

2008-11-21T00:44:00.005+01:00

Abróchense bien los cinturones, agárrense bien a sus asientos...

...Bienvenidos a una arriesgada aventura sólo apta para desprejuiciados, una necesaria operación de rescate y... sí, por qué no decirlo, un sano ejercicio de nostalgia...

...A la espera de una nueva entrega de 'Fetiches con acné', el Blogo Bizarro estrena una nueva sección, 'Sintonías de calibre': un recorrido por las mejores composiciones que se han creado a lo largo del siglo XX para series de televisión, películas, programas de radio, espacios televisivos, spots y cuñas. Todo un apasionante, curioso y, a veces, bizarro mundo al que este Blogo Bizarro -valga la redundancia- prestará merecida atención.

El viaje comienza con una auténtica joya funky, la que compuso el saxofonista y arreglista Tom Scott para la mítica serie Starsky & Hutch, emitida por el canal estadounidense ABC desde el 30 de abril de 1975 hasta el 15 de mayo de 1979. A pesar de que el episodio piloto contó con otro tema compuesto por el genial Lalo Schifrin -autor de los scores de Misión: Imposible, Harry el Sucio o Harry el Fuerte-, la pieza de Scott, quien por entonces ya lideraba la banda de jazz-fusión The L. A. Express, sustituyó rápidamente a la de Schifrin y es la que dejó una hueya más profunda. En temporadas posteriores, los capítulos eran introducidos con variaciones sobre este tema, titulado -por cierto- 'Gotcha', y por otra pieza compuesta por Mark Snow.

El Blogo Bizarro se queda con el brutal tema de Scott, pero si quieres escuchar los otros puedes pinchar en Schifrin y Snow.

Subid el volumen, bajad la ventanilla de vuestro Ford Torino y dejad que os dé el viento en la cara...

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Workin' day and night', Michael Jackson

2008-11-19T13:06:00.007+01:00

Off the wall, probablemente uno de los pocos discos de Michael Jackson que mejor han envejecido, supuso un antes y un después en la carrera del negro más blanco del mundo, aunque lo cierto es que en el agosto de 1979, fecha de salida del álbum, el Rey del Pop todavía conservaba su pigmento de piel original y, todavía más importante, su música aún sonaba negra.

Efectivamente, Off the wall, con alrededor de 25 millones de copias vendidas en todo el planeta -es uno de los 100 álbumes más vendidos de la historia-, está trufado de piezas disco-funk y melodías de raíz negra. Es el primer Lp de un Michael Jackson entrando en la madurez musical; un disco a caballo entre el rhythm & blues y el soul de los Jackson 5 y el pop de sus éxitos en los ochenta -Thriller (1982) y Bad (1987)-. Jacko cumplía 21 años, abandonaba Motown, fichaba por Epic (Sony/BMG)...

Off the wall también fue el primer disco de Jackson producido por el genio Quincy Jones. De hecho, el envoltorio sonoro de los mejores discos del artista -Off the wall, Thriller y Bad- son obra del famoso productor, arreglista y compositor.

La canción de esta semana, 'Workin' day and night', uno de los tres temas de Off the wall compuestos por el propio Jacko, no fue editada como single -los sencillos fueron 'Don't stop till' you get enough', 'Rock with you', 'Off the wall' y 'She's out of my life'-, pero igualmente resulta una de las piezas con más groove del disco, un auténtico pelotazo para las pistas de baile. En la producción ya comienzan a vislumbrarse varios de los guiños que harían que el tandem Jackson/Jones lograra algunos de los mayores éxitos pop de los ochenta: golpes de vientos, gran presencia del bajo, handclapping, líneas funkys de guitarra... Un empaque muy efectivo. Un envoltorio comercial pero que conserva el auténtico sabor de la música negra.

Grammy Latinos: la estafa de todos los años

2008-11-15T16:25:00.010+01:00

Ya casi no me sorprendo ante el circo que representa cada año la ceremonia de los Premios Grammy Latinos, un acto que suele pecar de dos cosas principalmente: la frivolidad y el aura comercial que rodea el espectáculo; y el escaso movimiento en las filas de los nominados que se ha producido entre la primera edición (2000) y la última, que tuvo lugar en la madrugada del pasado viernes en Houston (Texas). Sería poco acertado decir algo así como: "da la impresión que todos los años aparecen las mismas caras: Juanes (17 Grammys Latinos en menos de una década), Maná, Alejandro Sanz, Santana, Shakira... ". No nos engañemos, no es que "dé la impresión", no son imaginaciones nuestras y todavía muchos somos demasiado jóvenes para padecer síntomas de alzheimer.

Así, podemos creer con gran parte de razón que la música facturada en América Latina y España siempre se encuentra 'abanderada' mundialmente por los mismos personajes. También es cierto que en todas las ediciones se premia a artistas menos comerciales y de ideas más brillantes, como Os Paralamas, Caetano Veloso, Milton Nascimento o Café Tacuba, pero únicamente en la categorías menos conocidas y a las que los medios prestan menos atención. Como de costumbre, la mayoría de los periodistas de prensa, televisión y radio generalistas, informan de lo más destacado, esto es, las secciones de Mejor Álbum, Mejor Canción, Mejor Grabación y, a lo sumo, Mejor Productor, dando a entender, prácticamente, que lo demás no existe o merece ser arrinconado en un margen que sólo unos pocos curiosos y melómanos conocerán.

Para comprobar estas afirmaciones tan sólo es necesario consultar la página web oficial de los Premios Grammy, y en ésta pinchar en el enlace correspondiente a la edición latina. Veamos un ejemplo claro, el de que aquel chaval que pudo ser un artista interesante pero que viró el rumbo hacia la cursilería comercial y los chalets en Miami: Alejandro Sanz. El artista ha sido galardonado durante cuatro años consecutivos; consiguió la Mejor Canción y la Mejor Grabación en 2001 ('El alma al aire'), 2002 ('Y sólo se me ocurre amarte'), 2004 ('No es lo mismo') y 2005 ('Tú no tienes alma'), y el Mejor Álbum en 2001 (El alma al aire), 2002 (MTV Unplugged), 2004 (No es lo mismo).

Otro ejemplo es el de Juanes. Desde que fuera premiado como Mejor Artista Revelación en 2001, el colombiano no ha dejado de aparecer en la ceremonia. En ese mismo año consiguió la Mejor Canción Rock con 'Fíjate bien' y el Mejor Álbum Rock Masculino por su disco homónimo. En 2002 logró de nuevo el premio a la Mejor Canción Rock con 'A Dios le pido', y en la siguiente edición arrasó con Mejor Grabación y Mejor Canción ('Es por ti'), Mejor Álbum (Un día normal), Mejor Álbum Rock Masculino (Un día normal) y Mejor Canción Rock ('Mala gente'). En 2005 volvió a hacerse con los gramófonos al Mejor Álbum Rock (Mi sangre) y a la Mejor Canción Rock ('Nada valgo sin tu amor'). Afortunadamente, en 2006 y 2007 aparecieron otros artistas premiados en estas categorías, los argentinos Gustavo Cerati y Fito Páez, que dieron un soplo de aire fresco a una celebración viciada de monotonía. Sin embargo, este año hemos vuelto a más de lo mismo: Juanes ha vuelto a pasar como un huracán en los Grammy Latinos, consiguiendo Mejor Grabación y Mejor Canción ('Me enamora'), Mejor Álbum y Pop Masculinos (La vida... es un ratico) y Mejor Vídeo Musical Versión Corta ('Me enamora'). Esta vez, Andrés Calamaro arrebató al colombiano el premio al Mejor Álbum de Rock Vocal con La lengua popular.

Otros nombres que suelen verse en las quinielas son el de Gloria Estefan (premiada este año como Persona del Año, supongo que más por sus obras benéficas que por su trayectoria como artista), Enrique Iglesias (¡consiguió el galardón al Mejor Álbum Pop Vocal Masculino por Quizás!), Juan Luis Guerra (multipremiado en la pasada edición de 2007 y probablemente uno de los pocos artistas que pueden ser galardonados con toda justicia dentro de su género), Shakira, Laura Pausini (¡nunca la déis por vencida!) o Maná (aunque sus letras, cada vez más cercanas a las clases de catequesis, demuestran que la banda mexicana debería participar en la categoría de Música Cristiana -¡la hay!- y no en la de Rock).

Pero en todo este caldo hay un ingrediente más que da al espectáculo un burdo tufo de sospecha... Los grandes monstruos de la industria discográfica acechan detrás de las bambalinas, frotándose las manos ante la sensación de contemplar una carrera cuyo resultado ya conocen de antemano. Un dato revelador: los grandes ganadores de todas las ediciones editan sus trabajos en los cuatro mayores sellos discográficos del planeta, Universal Music (Juanes, Enrique Iglesias) Warner (Alejandro Sanz, Maná, Laura Pausini, Miguel Bosé), Sony BMG (Shakira, Christina Aguilera, Gloria Estefan, Ricky Martin, Marc Anthony) y EMI (Luis Miguel).

Analizando todos estos datos, puedo concluir, sin morderme la lengua, que los Grammy Latinos son, en términos generales, una auténtica estafa, además de una clara muestra de mal gusto, falta de criterio y escaso olfato musical, lo que me lleva a pronosticar que, a no ser que la política de esta ceremonia hortera y de paradójico sabor yanki cambie de raíz, estaremos viendo durante muchos años a las cuatro multinacionales de siempre con los caballos de batalla que hayan sacado para cada ocasión.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'This is how I know', Ron Sexsmith

2008-11-13T23:38:00.004+01:00

El Blogo Bizarro sigue una línea lógica -aunque a veces no lo parezca- y brinda como nueva canción de la semana 'This is how I know', firmada por Ron Sexsmith. Y digo "línea lógica" porque el cantautor canadiense es uno de los preferidos de Quique González, cuyo tema 'Trucos fáciles para días duros' fue elegido como canción de la semana pasada. "Es el campeón del mundo de canciones bonitas para mí ahora", confesó el madrileño sobre Sexsmith en el programa especial que celebró Tresfusión (Radio 3, RNE) con Quique González y Lichis este pasado agosto.

'This is how I know' está incluída en el último disco de este cantautor de cara infantil, Exit strategy of the soul (Warner Canada/Yep Roc/V2/Ronboy Rhymes/Kensaltown , 2008). Afincado en Toronto pero natural de St. Catharines (Ontario), Sexsmith resulta ser un maestro de melodías melancólicas, arropadas por folk-pop de elegante factura.

Aquí dejo una versión en directo, desnuda, de 'This is how I know', grabada el pasado 5 de junio en el Kensaltown Studio de Londres.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Trucos fáciles para días duros', Quique González

2008-11-09T14:43:00.002+01:00

La semana enmarañada casi me ha hecho olvidar que tengo que publicar una canción para estos siete días que ya van agotándose. Pero siempre se saca tiempo para escuchar música... es una medicina necesaria, remedio y enfermedad a la vez...

'Trucos fáciles para días duros', de Quique González y la Aristocracia del Barrio, me ha estado acompañando toda esta semana, cada día. Con el último disco de este madrileño del 73, Avería y redención # 7, me está pasando como con La noche americana (Varsovia Records, 2005). Cuando lo compré al principio lo escuchaba muy por encima, sin fijarme en ningún tema en particular. Pero con el tiempo he ido despiezando la presa y degustando cada canción como si fuera la última vez que fuera a escucharla. En Avería y redención # 7 me había pasado con 'Betty', con 'Pequeñas monedas y grandes mentiras', con 'Nos invaden los rusos' -¡qué tema!-... Ahora me he sumergido en la letra y los arreglos de 'Trucos fáciles para días duros', una pieza con sabor a rock americano y con un estribillo lleno de determinación.

A estas alturas del partido, es más que palpable que Quique ha madurado desde que debutó en 1998 -¡diez años ya!- con Personal, un trabajo más irregular que sus sucesores pero que sin duda auguraba la autenticidad de uno de los autores de rock en castellano más importantes de estos tiempos. Una época complicada en la que encaja perfectamente esta canción de la semana, 'Trucos fáciles para días duros'...

... eso sí, "me guardo los detalles más oscuros..."

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Dig, Lazarus, Dig!!!' + 'Today's Lesson', Nick Cave & The Bad Seeds

2008-10-29T11:45:00.005+01:00

Imposible decidirse por una sola de estas dos joyas compuestas por Nick Cave y sus Malas Semillas. El australiano más sombrío del planeta grabó 'Dig, Lazarus, Dig!!!' y 'Today's Lesson' para su último álbum de estudio, también titulado Dig, Lazarus, Dig!!! -algo así como ¡¡¡Vuelve a la tumba, Lázaro, vuelve a la tumba!!!-. Como ha hecho en otras ocasiones, Cave recurre a historias bíblicas para componer un disco -el decimocuarto con los Bad Seeds- plagado de sonidos crudos y aires que recuerdan bastante a su anterior proyecto, Grinderman.
Aquí dejo dos versiones registradas en directo este mismo año en el programa de la BBC Later live... with Jools Holland, presentado por el pianista inglés y ex miembro de Squeeze.

Una vez más, Cave se muestra como un auténtico animal sobre el escenario, con su característico porte, su voz grave y rabiosa y... sí, una alopecia galopante. Mención especial para las Malas Semillas: empastados, eficaces y con un Warren Ellis haciendo diabluras a la guitarra y el violín eléctrico.

Un apasionante viaje por el rock de las cavernas industriales...

'Dig, Lazarus, Dig!!!

'Today's Lesson'

FETICHES CON ACNÉ: Los hermanos Jonás, el relevo de Avril Lavigne

2008-10-22T13:16:00.000+02:00

"A mi hija le encantan: son guapos, tienen pose y encima cantan y tocan bien... ¡lo tienen todo!" Algo así me contaba David Elorriaga sobre los Jonas Brothers mientras íbamos de camino a Badajoz para actuar con Cira. Entonces poco sabía sobre estos tres pipiolos disfrazados de rock'n'rollers -a fin de cuentas eso es lo que son-. Ahora, al menos, ya sé algo de la singular historia de estos muchachos que con sus canciones llenas de sentimientos consiguen mojar las mejillas y... otras cositas de las adolescentas.

Las vidas de Joe, Nick y Kevin -sinceramente, en principio me interesa más su privacidad que su música- son un cóctel de peculiares y jugosos ingredientes. Empecemos por el mayor, Paul Kevin Jonas II -su padre se llama igual pero con un solo palito al final-. Nació el 5 de noviembre de 1987 en Teaneck (Nueva Yersey) y en el grupo se ocupa de la guitarra y los coros. Según la web oficial española de la banda, su actor preferido es... cómo no, James Dean, un auténtico rebelde; su sabor favorito de helado, el rocky-road -en el fondo sabe muy parecido a las perrunas manchegas-; y su músico predilecto, John Mayer -aquel cursi que cantaba eso de 'Free fallin''-.

El siguiente en la pirámide jonásica es Joseph Adams Jonas (15 de agosto de 1989, Casa Grande, Arizona). Él es el encargado de transmitir, con su tersa y dulce voz, las sensaciones más desnudas y bonitas del grupo -también toca la guitarra-. Joe es lo que se dice un chaval sencillo: se parte la caja con una simple comedia de Jim Carrey, su color favorito es el azul y lo goza con los sandwiches de pollo. El único defecto está en que su deporte preferido es el wiffel ball y, claro, el pobre nunca tiene ocasión de practicarlo en grupo porque la gente ve demasiado temerario el jugar a algo cuyas reglas todavía se desconocen.

Nos queda el benjamín, el chiquillo: Nicholas Jerry Jonas (16 de septiembre de 1992, Dallas, Texas). El pequeño Nick es un hacha: comenzó en la música como solista, con 11 años, pero poco después debió pensar que lo de sus hermanos podía dar pasta. En los Jonas Brothers se ocupa de los teclados y las guitarras, aunque también toca la batería. Un hacha. Entre sus hobbys se encuentran jugar al baseball y coleccionar tarjetas de... baseball.

¿Y sus padres qué dicen de todo esto? Ah, sus padres están encantados. Papá Jonas es un ex pastor evangélico pero está tranquilo mientras los únicos signos de rock'n'roll que asomen en sus queridos hijitos sean esas cazadoras oscuras de cuero que visten de vez en cuando. Por lo demás, todo perfecto: realizan conciertos en contra de las drogas -qué alivio, no se parecerán a todos esos greñosos de Hendrix, Morrison y demás inventos malignos-, aparecen en exitosos telefilmes de Disney para jóvenes y jóvenas de espíritu pícaro pero trasfondo políticamente correcto -casi 9 millones de pipiolos estadounidenses vieron el estreno de Camp Rock- y son admirados por gente tan importante -y pulcra- como David Beckham.

Nos faltan las canciones: qué maravilla, qué compendio de temas llenos de sensaciones recién descubiertas... En realidad, es como estar escuchando las angelicales melodías de los Backstreet Boys sobre una base instrumental pseudo-rockera. Mención especial para la balada con mayúsculas, muy importante en el Jonas-Cosmos. El medio tiempo 'When you look me the eyes' es un buen ejemplo. Claro que también hay piezas tan burbujeantes como los inocentes refrescos que beben los fans mientras escuchan a su trío favorito. Ahí están 'S.O.S' o 'Burnin' up', entre otras perlas. Y las letras: 98'9% impregnadas de amor adolescente, de vez en cuando sazonadas con un poquito de pimienta -"I'm hot / You're cold", rezan los primeros versos de 'Burnin' up'-.

Como es de imaginar, las páginas web de fans se cuentan por centenas. Una de ellas, www.jonas-brothers-fans-xd.nireblog.com, relata un episodio curioso bajo el título de Campaña para apoyar a Kev!!!:

Los Jonas Brothers estaban dando una entrevista en la radio, como siempre contestan a sus preguntas y corresponden a los que los demás dicen, ustedes saben, son muy honestos, pero lo que paso esta vez se nos hiso muy raro, y lee bien, ellos estaban dando cómodamente la entrevista, a excepcion de Kevin, que como tu sabés siendo una verdadera fan de los Jonas, él es el que habla más y correspode a las preguntas más a menudo..Pero en este caso, la conductora de la radio nota que Kevin se veía distinto, distraído y algo callado, a lo q la conductora le pregunta que si tiene algo, a lo que él le contesta diciendo: "Cuando saliamos mis hermanos y yo del autobús, unas fanáticas nos vieron y exclamaron: ¡Mirá ahí están Joe y Nick! A lo que otra fanática dice: ¡Y el otro integrante de la banda!. Yo me sentí muy mal porque al parecer solo me ven como 'otro integrante' de la banda The Jonas Brothers". Cuando Kevin terminó de decir eso, la conductora se conmovió y abrazó a Kevin.

Modernos, cool, guapos, bien vestidos y con buenas intenciones. Así son los Jonas Brothers, tres chavales que con tres discos -It's about me (Sony, 2006), Jonas Brothers (Hollywood Records, 2007) y A little bit longer (Hollywood Records, 2008) han conquistado los corazones de millones de jovencitas.

Señora, no cante victoria porque Avril Lavigne haya crecido, ¡ya llegó el relevo! Convénzase de una vez: el teen-power ni se crea ni se destruye... ¡se transforma y se perpetúa por los siglos de los siglos! Amen.

Burnin' up

When you look me in the eyes

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Bridge over troubled water', Johnny Cash (Paul Simon)

2008-10-20T14:13:00.005+02:00

Mientras sigo preparando la segunda entrega de Fetiches con acné (nueva sección que finalmente será bisemanal en este Blogo Bizarro), rastreo en mi discoteca y en Internet en busca de la Canción de la semana. Y la encontré.

Llevo unos días absolutamente entregado a un tema compuesto en el verano de 1969 por Paul Simon, el archiconocido 'Bridge over troubled water' ('Un puente sobre aguas turbulentas') pero en la versión que grabó Johnny Cash en 2002 para su álbum American Recordings IV: The man comes arround (el quinto producido por Rick Rubin). En los coros, la maravillosa Fiona Apple.

Lo de Cash es impresionante: en sus últimos años de vida (murió el 12 de septiembre de 2003) registró algunas de las mejores grabaciones de toda su carrera, que comenzó antes de que se popularizara el rock'n'roll (1954).

¡Qué manera de cantar! ¡Qué forma de encarar una canción ajena! ¡Qué profundidad interpretativa!

Recomiendo desde ya a todos los blogotroters que presten una escucha tranquila a los discos que el genial artista grabó en el sello American Recordings: nueve álbumes producidos por Rick Rubin compuestos de canciones anteriores a 1990 y posteriormente regrabadas, nuevos temas y versiones espectaculares de Nine Inch Nails ('Hurt'), The Beatles ('In my life'), Nick Lowe ('The beast in me'), Depeche Mode ('Personal Jesus'), Leonard Cohen ('Bird on a wire'), Neil Diamond ('Solitary man'), U2 ('One) y Tom Waits ('Down there by the train), entre otros.

Además, en las grabaciones han participado músicos como Nick Cave, Joe Strummer, Flea, Carl Perkins, John Frusciante...

Probablemente, esta versión de 'Bridge over troubled water' junto a la de 'Hurt' son las que más puñetazos en la boca del estómago me han propinado...

..ughhh!

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Green grass', Cibelle (Tom Waits)

2008-10-14T20:23:00.002+02:00

En 2006, la genial Cibelle (cantante, compositora, videoartista y modelo) grabó para su álbum The shine of dried electric leaves una versión sobre un tema de Tom Waits, 'Green grass', incluído en su penúltimo álbum, Real gone (Anti, 2004).

Una canción triste para un día triste...

¡Cira y la Pito Pirelli's Band queman Badajoz!

2008-10-13T20:33:00.004+02:00

Hace unas cuatro horas que volví a Madrid después de haber pasado el domingo -y gran parte de la madrugada y la mañana del lunes- en Badajoz, donde la Pito Pirelli's Band -extraoficialmente llamada así y formada aquella noche por David Elorriaga al bajo, Nico Roca a las percusiones y un servidor a la guitarra y coros- acompañó a Cira en un concierto emocionante, a pesar de que la sala Mercantil no nos brindó la mejor acústica, ni encima ni debajo del escenario. Los handicaps los superamos con el talento y la garra de la doctora Cira y con la entrega y la ilusión de todos, incluídos el genial Uli a la guitarra y voces, y el eléctrico David al cajón.

¡Sorpresa para el respetable! ¡No se esperaban un espectáculo así! Esto promete...

Iré colgando más datos e incluso fotos en los próximos días. Ahora sólo quiero dormir...

...el rock'n'roll deja sus marcas...

¡En la banda de Cira... y pa' Badajoz!

2008-10-12T02:39:00.005+02:00

Dentro de unas diez horas nuestro coche saldrá hacia Badajoz. Cira y su crew -David Elorriaga (bajo y coros), Nico Roca (percusiones) y un servidor, JR Bizarro o, en palabras de la pacense, Baby-Julio (guitarra acústica Baby Taylor y coros), parten hacia la capital extremeña para brindar un concierto con emoción y rigor musical, cerca de la medianoche, en la sala Mercantil... ¡justo veinticuatro horas después de que Antonio Vega haya pisado el mismo escenario!

Adrenalina fluyendo por los canales linfáticos de todo mi cuerpo...

...ahora tengo que intentar dormir... algo.

Sala Mercantil: c/Zurbarán, 10. Badajoz.

Cira, a través del prisma de la psicodelia

FETICHES CON ACNÉ: El fenómeno Crepúsculo

2008-10-09T19:55:00.015+02:00

Mi querida muchachada blogotroter:

incorporo a este Blogo Bizarro una nueva sección semanal, Fetiches con acné, un ácido recorrido por la actualidad adolescente en busca de los ídolos, las debilidades, los amuletos, los tótem de los jóvenes y jóvenas de hoy en día. Un apasionante safari por una enrevesada jungla de la que intentaré salir ileso y licon el cutis bien limpio. ¡Señora, entienda mejor a su hijo/a y sucumba de una vez al... TEEN POWER!

Todos los diarios digitales que he consultado coinciden en la misma idea: la escritora Stephenie Meyer va paso de arrebatar a J. K. Rowling el puesto de autora más popular entre los jóvenes y jóvenas, entre adolescentes y adolescentas.

Yo, hasta esta tarde, no he sabido quién es la tal Meyer, y resulta que ya ha publicado cuatro libros cuyas ventas se han traducido en una piscina de billetes que nada tiene que envidiar a la de la creadora del mago con dioptrías. El primero de ellos alcanzó el puesto 5 en la lista de best-sellers del New York Times y fue elegido libro del año por Publishers Weekly. ¡Atienda, señora: Meyer es la nueva adalid del super-ventas juvenil! Claro que su modus operandi no ha trascendido la vulgaridad de los best-sellers actuales, porque lo que esta mormona cuarentona fanática de la música de Muse nos ofrece es una rica ración de saga, la Saga Crepúsculo, formada por los títulos Crepúsculo, Luna nueva, Eclipse y Amanecer. Mediante una sabia y eficaz fórmula concentrada a base de romance adolescente y terror revienta-acnés, esta novela seriada cuenta las aventuras de Isabella Swan 'Bella', una chica normal y corriente que se enamora de un sedcutor vampiro, Edward Cullen. Échele guindas al pavo...

Ayer por la tarde fui a la FNAC; claro, yo no sabía nada de todo esto de la Meyer y me dí de bruces con un fenómeno que no logré entender. Lo primero que me desconcertó fueron unas tiras color granate que formaban una cortinilla en la entrada a la cuarta planta del edificio. Era demasiado temprano para los adornos navideños, pensé, e inmediantamente, como si esperara la explosión de una granada a 15 metros de mí, me tapé los oídos y cerré con fuerza los ojos temiendo escuchar algún villancico. Por suerte, no oí ninguna vocecilla aflautada dispuesta a perforarme el tímpano con su tonto pero feliz cántico.

Atravesé el visillo rojo violado después de que lo hiciera con desgana un hombre canoso de traje, corbata y zapatos brillantes como un excremento descompuesto y tornasolado por la luz amarilla del inodoro de tus vecinos. Al otro lado había algo parecido a eso que los anglosajones llaman stand, donde se había apilado un buen puñado de libros con un -a priori- esperanzador título: Amanecer. En la portada: un tablero de ajedrez con una reina blanca en primer plano y un peón rojo en el fondo. Pensé que se trataba de una publicación reciente y muy esperada. Me acerqué a aquel stand y ojeé un ejemplar. Después tomé el primer libro de la saga, Crepúsculo, y leí la contraportada:

"Hay tres cosas de las que estoy completamente segura: primera, Edward es un vampiro. Segunda, una parte de él se muere por beber mi sangre. Y tercera, estoy total y perdidamente enamorada de él".

Empezaba a saber por dónde iban los tiros... pero no pude reflexionar mucho más sobre aquellas palabras pues en ese momento una tromba de gritos y suspiros adolescentes rompió la aparente calma de la cuarta planta. El escándalo se acercaba por las escaleras mecánicas. De pronto, unas quince o veinte quinceañeras se avalanzaron emocionadas hacia las pilas de ejemplares de Amanecer. Sin apartar la vista de aquel alborozado grupúsculo, retrocedí tres pasos sin poder barrer la estupefacción de mi rostro.

Aquellas chicas, varias de ellas vestidas con prendas negras y motivos góticos, comenzaron a devorar con avidez los primeros renglones de tan esperado libro. ¡Algunas se echaban fotos en el stand! ¡Otras acunaban en sus regazos pilas de tres y cuatro ejemplares! Incapaz de apartar la vista de aquel panorama. De pronto me sentí como un abuelo de noventa años que no logra entender lo que sucede a su alrededor. Era obvio que Amanecer se ponía a la venta aquel día. ¡Qué emoción! ¡Qué expectación! Si hasta los dependientes de la FNAC lucían macabros gadgets: un hilillo de sangre chorreando desde las comisuras de los labios, dentaduras con afilados colmillos... Además, se organizaron distintas actividades relacionadas con la obra de Meyer: un trivial, concurso de disfraces...

El éxito es rotundo: millones de lectores en todo el mundo, páginas webs, comunidades de fans y una película que verá la luz en diciembre y que contará con Robert Pattinson -Edward Cullen- y Kristin Stewart -Bella-.

Señora, ha triunfado de nuevo el... ¡TEEN POWER!

Crepúsculo, Luna nueva, Eclipse y Amanecer están editados en España por Alfaguara.

Entrevista con Stephenie Meyer (subtítulos en castellano)

Emoción entre los fans ante la publicación de Amanecer

Trailer de la película Twilight (Amanecer) (V. O.)

¡Aaaaaaahhhhhhh...!

2008-10-09T18:13:00.005+02:00

Intento esconderme entre mi pecho y mis hombros, y pienso: "La próxima vez asume las consecuencias de tus decisiones, Bizarro, gilipollas. ¿Crees que toda esta mierda merece la pena? Ahora levanta la cabeza y mira hacia el frente, mamonazo. Y recuerda: un pie detrás del otro, siempre, un pie detrás del otro... Ya puedes gritar..."

¡Aaaaaaaaaahhhhhhhh....!

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Jimmy', Moriarty

2008-10-06T22:40:00.007+02:00

[aviso: el anterior post está dedicado a la canción de la semana pasada, es decir, la que empezó el 29 de septiembre]

En cuestión de unos pocos años -tres o cuatro-, el folk ha pasado de ser música de babosos y aburridos a fuente de inspiración para cientos de fervientes militantes del indie. ¡Ser folky está de moda, señora! Probablemente, los estadounidenses Ryan Adams y Mark Lanegan fueran los primeros de una generación que ha vuelto la vista a las raíces sonoras de sus países, en un sutil y calculado ejercicio que les ha permitido conservar su aura cool.

Actualmente, podríamos considerar al visionario Devendra Banhart como gurú de esta oleada de suaves y crudos arpegios de guitarras acústicas -y cálidas atmósferas-, pero son muchísimos los grupos que se han subido al carro del indie-folk, algunos con propuestas realmente interesantes, como Moriarty. Los descubrí este año trabajando con Santiago Alcanda en Tresfusión (Radio 3, Radio Nacional de España) -¡gracias, Santi!-. En la formación: músicos de Londres, Boston, Los Ángeles, Ohio, Cincinnati y París, aunque el centro de operaciones se encuentra en la capital francesa. En su myspace (www.myspace.com/moriartylands) apuntan influencias como Bilie Holyday, Johnny Cash, Peggy Lee, Jack Kerouac, Bob Dylan, Joan Baz, Thom Yorke... curiosamente el bueno de Tom Waits no está en la lista, aunque, indudablemente, habría que añadirlo.

La canción de la semana, 'Jimmy', abre su álbum de debut -el único hasta ahora-, Gee Whiz But This is a Lonesome Town -algo así como ¡Joder, vaya una ciudad fantasma!, gracias por la ayuda en la traducción, Princesa Amnesia-.

Receta para días lluviosos: salga de la cama, mire cómo la lluvia mancha de gris el paisaje, vaya a la cocina, sírvase una taza de café y bébasela mientras suena de fondo esta bonita canción de Moriary y usted no deja de mirar la lluvia. Que disfrute de la melancolía... pero no se pase con la autocompasión.

Recomiendo también la versión que Moriarty ha hecho del 'Enjoy the silence' de Depeche Mode. Se puede escuchar en www.myspace.com/moriartylands.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Perfect day', Lou Reed

2008-10-06T00:03:00.002+02:00

Ya no busco lo que no puedo encontrar...

...just a perfect day...

'Perfect day'
Letra y música: Lou Reed
Producida por David Bowie y Mick Ronson
Incluída en Transformer (RCA, 1972)

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Overnight', Gonzales

2008-09-23T12:59:00.003+02:00

Clase, estilo... ¡tercipelo en los dedos! A pocos pianistas he conocido que interpreten unas piezas tan bonitas y con tanta delicadeza. Lo mejor de todo es que el autor y ejecutante, Jason Charles Beck 'Gonzales', es un músico de lo más heterodoxo y desprejuicidado. De condición multinstrumentista, el canadiense ha ejercido como MC, cantautor, pianista, compositor...

La canción de esta semana, 'Ovenight', pertenece a su disco Solo piano (2004), un álbum que incluye temas propios interpretados exclusivamente con el citado instrumento. Presenta aires a Satie, pero no es música clásica; nos sorprende con algún ramalazo jazzie, pero no es jazz; tiene la frescura del pop, pero no se parece a los Beatles...

Recomiendo al lector, oyente y espectador, que deguste este 'Overnight' -grabado en directo en Angoulême, Francia- bajo la ténue luz de una lamparita, cómodamente recostado sobre su sillón y con un gin-tonic entre las manos... Una delicia.

Richard Wright in memoriam

2008-09-17T16:58:00.006+02:00

No me olvido de que gran parte de mi adolescencia la pasé pegado a los discos de Pink Floyd, fundamentalmente gracias a mi padre. De hecho, en la época de Servidores de Nadie, cuando muchos observaban nuestra notable influencia de Héroes del Silencio, yo me fijaba más en los punteos de David Gilmour que en los de Juan Valdivia.

Me sigue dando igual que los modernillos y ciertos sectores traten a los Floyd de aburridos y babosos. Secillamente, las grabaciones que sacaron de1967 a 1983 son increíbles, alucinantes y precursoras en muchos aspectos técnicos. Desde la psicodelia campestre y casi infantil del fallecido Syd Barret hasta el rock experimental y sinfónico de The Dark Side of the Moon. Sí, señor, los Floyd fueron pioneros en una estética determinada de la música pop gracias al talento de sus componentes y a la investigación de nuevos recursos sonoros y formas de grabación.

Por todo esto, el Blogo Bizarro no puede ignorar la muerte de uno de los miembros fundadores de la banda, el teclista Richard Wright, responsable también de algunas de las composiciones del cuarteto de Cambridge. Wright falleció el pasado lunes 15 de septiembre, a los 65 años, víctima de cáncer. No diré mucho aquí sobre su biografía, pues el internauta podrá navegar libremente por la red en busca de información detallada. Tan sólo apunto que sus primeros pasos en el rock los dio en 1964 con el grupo Sigma 6, el embrión de Pink Floyd. Por entonces, Bob Klose se ocupaba de la guitarra solista y Syd Barret de la rítmica y la voz. La formación la completaban Roger Waters (bajo y voces) y Nick Mason (batería).

Las principales influencias de Wright venían del jazz, aspecto perceptible en sus aportaciones de piano, órgano hammond y sintetizadores varios. No fue un compositor prolífico, pero en el mejor repertorio de los Floyd se encuentran dos joyitas precisamente paridas por el teclista. Así que, en recuerdo de este gran músico, aquí dejo la brutalmente hermosa 'The Great Gig in the Sky' -atención a la interpretación vocal de Clare Torry- y 'Us and Them' -ésta coescrita junto a Waters-, ambas incluídas en The Dark Side of the Moon (17 de marzo de 1973). Además, añado un vídeo de la grabación en directo, en la Pompeya de 1971, de 'Echoes' (Meddle, 30 de octubre de 1971), compuesta por Waters, Gimour, Wright y Mason. Escúchense atentamente las armonías que hacen las voces del Gilmour y Wright. Sin duda, uno de mis temas preferidos de la banda.

Va por ti, Rick.

'The Great Gig in the Sky'

'Us and Them'

'Echoes'

Pensamientos a la luz de Telemann

2008-09-17T11:27:00.002+02:00

Comienzo el día escuchando a Telemann mientras desayuno. No sé bien por qué, pero el alemán barroco me insìra a la hora de engullir un buen café con leche y unas tostadas con mantequilla y mermelada de fresa. Me inspira a disfrutar tranquilamente de las primeras viandas del día y a empezar la jornada con fuerzas y frialdad de mente.

Sangre fría para pensar que la amistad es posible. Sólo debo relativizar más las cosas, quitarles tanta importancia, disparar contra tanta seriedad, tomar la vida con más humor, entender y aceptar... sacar a flote una verdad: aunque a veces me sentí incapaz, nunca dejé de querer ser su amigo.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'I love L. A.', Randy Newman

2008-09-15T23:20:00.003+02:00

Por su estética rayana en lo hortera, por sus puertas abiertas al sonido ochentero y a la vez con un pie todavía en los setenta, por las chicas y los coches, por las playas y los bikinis... ¡porque es el mismísimo y macanudo Randy Newman! Por todo esto y más, aquí dejo la canción de la semana: 'I love L. A.' (Trouble in paradise, 1983), una oda a la ciudad de Los Ángeles, una patada en el culo a Nueva York y Chicago. Acidez, elegancia y juerga.

Hate New York City
It's cold and it's damp
And all the people dressed like monkeys
Let's leave Chicago to the Eskimos
That town's a little bit too rugged
For you and me you bad girl

Gran BOLA DE NIEVE

2008-09-12T14:42:00.004+02:00

Escucho a Igancio Villa, más conocido como Bola de Nieve (Guanabacoa, Cuba, 1911-Ciudad de México, 1971), mientras buceo por diferentes sitios web en busca de información valiosa. Tremenda sorpresa cuando descubro la letra de una de sus canciones, 'Drumi Mobila', una pieza que cantábamos en el colegio cuando teníamos nueve o diez años. Las monjas, tan joviales ellas, nos enseñaban el tema de un autor, por entonces, absoultamente desconocido para nosotros y, probablemente, para la inmensa mayoría del centro escolar. Pero, inconscientemente, se trataba de evocar, nada menos, a un pedazo de artista negro y homosexual, cuyas interpretaciones rozan lo divino...

Por toda esta historia -con tintes nostálgicos, lo reconozco-, por su peculiar y maravillosa voz, por su deliciosa manera de tocar el piano, por su sentimiento, por sus reivindicaciones raciales, homosexuales y revolucionarias... por todo ello, recomiendo escuchar el próximo lunes 15 de septiembre, a partir de las 17.00 horas, 'MISIÓN RESCATE', dentro del programa Como lo oyes, en Radio 3 (Radio Nacional de España), donde me encargaré de recuperar al gran Bola de Nieve. Además, intentaré contar con algunas entrevistas en directo interesantes, gente importante del panorama cultural nacional, conocedores y apasionados del arte de este tremendo músico.

Mucho ruido y todavía más nueces

2008-09-11T04:37:00.005+02:00

LLuvia de hielo,
piedras como el puño de un bebé,
manta blanca sobre la gran avenidad,
lunas rotas,
chapas abolladas,
alfombra de hojas,
mucho ruido y todavía más nueces...

Es tarde... muy tarde...

2008-09-11T04:06:00.002+02:00

Renglones a las 4.06 de la madrugada:

¿¡cómo llegúe hasta quí!?

Tus pestañas son virutas de tabaco,
se queman y nublan mi amor...

Comienza la mudanza

2008-09-09T18:03:00.009+02:00

No voy a negar que siento cierto vértigo al tener por primera vez en mis manos las llaves de mi nuevo piso en Madrid… pero, a la vez, me ilusiona y me da fuerzas para emprender una nueva etapa en la gran ciudad, en esta bendita urbe de locos. Digamos que me enfrento a la segunda parte de una película, sólo que en este caso la realidad supera a la ficción … ¡Una no-fiction novel! -anoche volví a ver Capote, con un increíble Philip Seymour Hoffman-.

Lo mejor es que sigo viviendo en el mismo barrio, muy cerca de la casa de mis tíos, donde me alojo desde octubre del año pasado. Comienza el proceso de mudanza al Paseo de las Acacias, una larga arteria que lleva desde la Glorieta de Embajadores -desde donde ya se atisban las primeras calles del barrio de Lavapiés- hasta la Glorieta de Pirámides -en la ribera del Manzanares-. Acacias es paralela a la Ronda de Toledo, una vía que nace -o muere, según el estado de ánimo de cada uno- en la monumental Puerta de Toledo.

Glorieta de Embajadores

En el distrito de Arganzuela hay de todo: establecimientos de prensa y papelería, supermercados, bares, pequeñas y grandes ferreterías, tiendas de ultramarinos que abren hasta altas horas de la noche -eufemismo para los popularmente conocidos ‘chinos’-, estancos, farmacias, ópticas, colegios, bibliotecas, pizzerías, zonas verdes y peatonales, restaurantes asiáticos, floristerías... yonquis.

También hay videoclubs. En El Rastrillo hay un buen puñado de títulos: desde Viridiana, de Buñuel, a Uno de los nuestros, de Scorsese. El local se encuentra en Mira el Sol, bocacalle de Ribera de Curtidores, una de las zonas donde cada domingo montan el popular Rastro de Madrid. Mira el Sol huele a orín y al humo de tabaco que despiden los bares de la calle, aunque si uno se concentra, puedes percibir el olor a cuero de un cercano comercio de noqueros.
Una de las tascas, Casa Canales, es frecuentada por mujeres con surcos de cansancio y amargura en sus caras. En sus bocas nacen ríos de cigarrillos que nublan sus alientos de penas. Sus ojos parecen mantener siempre la misma frase: "No hay mucho que hacer en esta vida".

Puerta de Toledo

En la puerta de un local cerrado se encuentra apoyado un tipo de pelo enmarañado y barba recortada. El hombre lleva una mochila a la espalda y da sucesivos tragos a una lata de cerveza de 50 cl mientras no aparta su miarada del infinito... quizás allí se encuentre la vida que nunca tuvo, o la que desperdició por alguna imprudencia.

Delante del tipo barbudo pasan dos hombres de mediana edad; uno carga sus pulmones de aire y lo transforma en blues a través de una pequeña armónica. De repente, su acompañante propina un puñetazo a la verja que cerca un solar en obras. No detienen el paso. Yo, tampoco. Sigo en la brecha, escribiendo los primeros párrafos de esta nueva no-fiction novel.

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'L'idole', Adanowsky

2008-09-09T13:45:00.004+02:00

Medio chileno, medio francés, medio mexicano, medio ruso, Adan Jodorowsky 'Adanowsky' sigue de cerca la polivalencia -o polifacetismo- de su padre. Adan fue bailarín de tango, mago, dibujante, campeón de kung-fu, escritor, director para dos cortometrajes y un video clip... Su faceta musical es la que traigo a este Blogo Bizarro. Hace un par de años salió en Francia su primer álbum, Ídolo, del que extraigo, como canción de la semana, 'L'idole'... o los sueños y ansias de un pobre camarero por ser alguien respetado en la sociedad... e incluso más allá: los deseos de convertirse en un icono que vuelva loco a todo el mundo.

Por cierto, preciosos el culebreo del sitar y el colchón de cuerdas.

Maldita insensibilización

2008-09-08T01:35:00.006+02:00

Con la maldita insensibilización por delante, los periodistas nos pasamos la vida hablando de los problemas ajenos y nos callamos cuando tenemos que hablar de los nuestros.

Al mediodía, la cara sigue aletargada por el sueño. Llego a la redacción y tomo el mismo asiento de todos los fines de semana. Enciendo el ordenador y echo una ojeada a los teletipos. De repente, mis ojos se abren de la mano de EFE, EUROPA PRESS, REUTERS, FRANCE PRESS, SERVIMEDIA... y tengo que creerme todo lo que me dicen. Mejor dicho, debo hacer que creo todo lo que cuentan... pero, ¿y lo que no cuentan? ¿No existe? En estos casos, las preguntas importantes pasan a ser absurdas e innecesarias. Es lo que hay.

Sigo mirando teletipos mientras pasan los minutos, las horas... A partir de aquí, todo se resume en la siguiente enumeración de actividades periodísticas y extraperiodísticas:

-Redacto una nota sobre las personas muertas el fin de semana en accidentes de tráfico -a los periodistas nos encanta este tipo de balances-.

-Bajo a la calle a fumar un cigarrillo y charlo con los compañeros -principalmente con mi colega de master, con el que comparto todavía más penas que las que tengo en común con el resto de trabajadores de la redacción-.

-Entro al locutorio a leer boletines.

-Redacto otra nota sobre "las vidas que se han cobrado las carreteras españolas", esta vez incluyendo un corte con declaraciones de un tal Federico Fernández, que resulta ser el subdirector de Movilidad de la Dirección General de Tráfico.

-Comienzo a compaginar dos navegaciones de rumbos diferentes: los mares de Hotmail y los de las agencias informativas. Tan sólo con mover los ojos de izquierda a derecha, puedo mezclar la lectura de los mails surrealistas de mis compañeros masterianos con la de la nacionalización de las dos compañías hipotecarias más importantes de EE UU -la señora Fannie Mae y el señor Freddie Mac-. Comienza la insensibilización.

-Después de envenenarme con los productos del comedor, pongo en marcha la elaboración de las más variopintas informaciones: huracanes y tormentas tropicales en el Caribe y el sureste de EE UU, disturbios en Roquetas de Mar, vertidos en la playa viguesa de Samil, el desprendimiento de una ladera en una barriada de El Cairo, el décimo aniversario de Google, la llegada de cayucos a las costas canarias...

-Fumo más cigarrillos y disfruto del fresco de la tarde preotoñal.

-Elaboro refritos de noticias anteriormente redactadas. Añado nuevos datos si los hay. Aparecen más muertos en Haití tras el paso del impío huracán Ike.

-Vuelvo a entrar al estudio a leer un boletín. Dentro sigo por televisión el US Opena y de nuevo me emociono con Nadal -aunque pierda contra Murray-.

Acaba la jornada. Es medianoche. Pienso en las víctimas mortales y en los damnificados que ha dejado en Haití un trío de ciclones en cosa de tres semanas. ¿Cuántas vidas se han jodido? Los datos se diluyen en mi cabeza mientras veo el final de Otra estúpida película americana. Anoche fue Tango y Cash.

Piensa en todas esas melodías tristes

2008-09-04T16:11:00.005+02:00

Piensa en 'While my guitar gently weeps', en 'A day in the life', en 'The jealous guy'...

Piensa en 'Un hotel de 1.000 estrellas', en '7 segundos'...

Piensa en 'Perfect day'...

Piensa en 'Green grass' y en 'Soldier's things'...

Piensa en esos 'Crímenes perfectos' donde el corazón se rasga...

Piensa en todas esas melodías tristes...

Piensa en lo mucho que nos equivocamos...

CANCIÓN DE LA SEMANA: 'Sintiendo rara', Ximena Sariñana

2008-09-02T03:17:00.003+02:00

Parece que todo lo que tocan los músicos y productores Juan Campodónico y Luciano Supervielle se convierte en oro. En este caso, la premiada responde al nombre de Ximena Sariñana, una mexicana de veintipocos años que ha contado con la producción y los arreglos de estos dos orfebres del nuevo sonido rioplatense. 'Sintiendo rara' -composición original del músico uruguayo Erik Couts- está incluída en el álbum de debut de Sariñana, 'Mediocre' (EMI México, 2008).
Sonidos sensuales en la madrugada madrileña...

mmmmmmm.... delicioso...

Para escuchar la versión original de Couts: www.myspace.com/erikcouts

Pensamientos sueltos: me duele la cabeza de tanto olvidarte

2008-09-02T02:43:00.003+02:00

No quiero pensar en segundas partes.
Intento dejarte en el fondo de las copas...
Pero me duele la cabeza de tanto olvidarte.

Cuando más te necesito
voy a preguntarle a la distancia;
barajo posibles respuestas tranquilizadoras,
aunque al final me duele la cabeza de tanto olvidarte.

Podría escribir lo más bonito de ti,
pero no sé si quiero acordarme.
Te has convertido en un punto remoto del mapa.
Prefiero no buscarte,
aunque me duela la cabeza de tanto olvidarte.

Brevaje de nocivos efectos secundarios + CANCIÓN DE LA SEMANA ('One of us must know', Bob Dylan)

2008-08-29T17:49:00.009+02:00

"Hay algunos que se duermen en sus viejos laureles"

('Algunos hombres buenos', Andrés Calamaro, Los Rodríguez, Palabras más, palabras menos, 1995)

El aburguesamiento es un brevaje de nocivos efectos secundarios. Si lo consumimos en demasía, las consecuencias pueden ser catastróficas: anulación de la actividad creativa -y física-.

Nunca me he considerado una persona vaga, aunque a veces he pecado de 'lirón laureado'... quiero decir, de dormirme en los laureles. Uno se acomoda a una determinada situación a la vez que se autocondena a una mecanicidad 'funcionaril' rancia y gris.

A veces, uno mismo se percata del problema, como quien, con un mágico y gracioso resorte, saca un conejo de la chistera. Pero en otras ocasiones, necesitas un estímulo externo para darte cuenta de todo, un aguijón que te pinche en el culo y te haga salir corriendo de ese pozo sin fondo... Alguien que sustituya las palmaditas en la espalda por un buen bofetón en la cara -¡sí, con los cinco dedos!- ¡Chaval, espabila, no lo estropees que lo estabas haciendo muy bien!

Al final, lo ves todo más claro, reaccionas y puedes volver a sentirte orgulloso del trabajo bien hecho: yes, sir! Las labores de rescate que realicé el pasado lunes 25 de agosto, en Tresfusión (Radio 3, RNE), fueron exquisitas y... ¡dobles! Por un lado La Banda Salsa -buen y casi desconocido latin-funk desde el Madrid de los setenta- y, a raíz de esta formación, otro grupazo de la 'spanish soul explosion': Conexion; su líder, Luis Cobos -¡¡sí, Luis Cobos en Radio 3!! ¿quién habló de prejuicios?- charló vía telefónica con nosotros. Un momentazo.

Buen trabajo.

Gracias, Chamo.

Y aprovechando el post del día, estreno nueva sección en el Blogo Bizarro: Canción de la semana, prestigiosa condecoración que en este caso va a parar a la preciosa 'One of us must know', de Bob Dylan, incluida en el increíble álbum Blonde on blonde (1966). Puede que algunos me critiquen por haber comenzado con un tema en inglés, pero la elección tiene mucho que ver con los momentos que vivo ultimamente... Así que ahí va, el que inventó todo esto, Mr. Robert Zimmerman.

"Tarde o temprano uno de nosotros debe saber

que hiciste lo que se supone debías hacer.

Tarde o temprano uno de nosotros debe saber

que realmente intenté acercarme a ti".

Trombas de colchoneros

2008-01-20T18:23:00.000+01:00

Trombas de colchoneros bajan por el Paseo de las Acacias, Gasómetro, Doctor Vallejo Nágera… El Calderón está que arde. Es tarde de fútbol. Diré más, es tarde de CLÁSICO, de DERBY… los de Aguirre y los de Schuster se verán (de nuevo) las caras en unos minutos.

El barrio está impracticable: los coches invaden las aceras y aparcan en medio de las calles –me quedo atónito cuando veo una hilera de vehículos que atraviesa Gasómetro-.

La gente luce con orgullo bufandas, banderas y camisetas del equipo del 'Kun'. Entonces, uno se contagia un poquito de la pasión futbolera. Y te asaltan recuerdos de la infancia. Por supuesto que hace unos años me habría abrigado con otro tipo de pañuelos; siempre fui del bando merengue. Pero, ver cómo todas esas personas bajan por las calles con la ilusión en la cara, me hace inevitable participar de la comunión rojiblanca. Entiéndase bien: no soy un chaquetero. En mi familia paterna siempre hubo tradición colchonera, y supongo que por eso siempre he sentido respeto y admiración por EL ATLETI.

Ojalá mi abuelo Julio estuviera aquí...

Carne frágil y supurante

2008-01-13T20:05:00.000+01:00

A veces es como una resaca constante. Semana tras semana,
la cerveza rompe en olas en mi gaznate y el humo impío de
los cigarrillos asedia mi ropa.

No hay mucho tiempo para detenerse a pensar. Las pocas horas de descanso vuelan raudas con sesiones nocturnas de sofá y películas; anárquicos lapsos guitarrísticos; deseos frustrados por las inquebrantables circunstancias del presente; pensamientos y remordimientos bajo la ducha; lecturas esporádicas de libros y revistas.

Escucho 'Tom Traubert’s Blues' y dejo que la voz desgarrada de Tom Waits punce mi corazón, carne frágil y supurante.

Canciones para escuchar a solas... ésa es la gracia y la condena.

'Tom Traubert's Blues', Tom Waits
(interpretada en 1977 en el programa The Old Grey Whistle Test.
Versión original incluida en el disco Small Change, de 1976)

Exquisito desayuno

2008-01-12T22:26:00.000+01:00

Me duele la cabeza. ¿Qué espero después de haber vuelto a casa a las ocho de la mañana con unas copas de más en el cuerpo?

Me levanto a las 14.00 y me embuto en el ‘uniforme del resacoso’. Elegirlo no entraña gran dificultad, tan sólo hay que despertarse en un estado lo suficientemente perjudicado para lograr ese gusto horrible a la hora de combinar la ropa. Obviamente, esto se puede resumir en una expresión más sencilla con sede en la sabiduría popular: ponerse lo primero que pilles.

Consciente de poseer la citada habilidad, abro el armario y, sin pensarlo mucho –condición fundamental para elegir el susodicho vestuario-, alcanzo un pantalón de chándal color azul marino y una camiseta a rayas sienas y blancas. Para los pies, unas viejas zapatillas que hace años presumían de un refulgente naranja butano; ahora se muestran reblandecidas y grisáceas como la chabola de cartón de un matrimonio yonki después de un día de lluvia.

Salgo de la habitación. Constato que mi sistema psicomotriz está ligeramente trastocado: andar, una cosa tan sencilla como dar un paso y después otro de manera consecutiva, se convierte en una tarea complicada. Vacilo. Agacho la cabeza y miro mis destartaladas zapatillas, después, enfilo mis ojos irritados hacia el cuarto de baño. Una náusea me revuelve el estómago; en ese mismo momento recuerdo que hace cinco segundos he agachado la cabeza. Una mala idea, sin duda, aunque, por lo menos,
no he perdido memoria a corto plazo.
Una vez en el cuarto de baño, sabes que es mejor no mirarte
al espejo. Sin embargo, te miras. Presumido y narcisista hasta en los estados más demacrados del ser.

Entro en la ducha. El agua tibia me sirve de purga para sacudirme las secuelas de la nocturnidad. Me enjuago la cabeza mientras los recuerdos de la noche se me agolpan entre sien y sien: comida turca, ríos de cigarrillos, ‘La Catrina’ y sus daiquiris, viejas calles de vientos cortantes, Eddie Jefferson entonando ‘Psychedellic Sally’, policías haciendo la ronda, más ríos de cigarrillos… Y en el fondo del camino, el ‘Tony 2’ con toda su fauna, su piano; sus pianistas; sus cantantes de poderosos vibratos; sus bailes al ritmo de boleros, pasodobles y pop casposo; sus elegantes camareros llevando bandejas con vodkas, rones, güisquis, cervezas… En las profundidades del ‘Tony 2’ es inevitable convertirse en una animal más de la noche. Qué delicia acomodarse en sus gastados sofás de terciopelo rojo y saborear un vodka con limón. Cuando quieres darte cuenta, ya te has rendido a lo evidente: un poderoso sentimiento de comunión entre tú y todas esas almas nocturnas que te rodean.

Termino de aclararme la cabeza. Esbozo una sonrisa y me río para mis adentros de los propósitos del nuevo año, que es tan

viejo lobo como el que murió hace doce días.

Salgo de la ducha. Tengo el cerebro frito, repito la misma canción y relativizo la vida. Hoy es lo que hay. “Maldito zorro”, me digo riéndome entre dientes, “esta noche te lanzarás de nuevo a la calle”. Un escalofrío me recorre la espalda mientras vuelvo a ponerme el uniforme del resacoso. Salgo del cuarto de baño y allí, bajo las escaleras, me embriaga un delicioso olor a cordero asado.

Mmmm... Exquisito desayuno.

Despertar con la Winehouse

2008-01-01T19:01:00.000+01:00

El día de Año Nuevo amanezco a las 15.30. Intento abrir un ojo y pienso: "¿A qué hora he llegado a casa?" Vuelvo a hacerme la misma pregunta, pues incluso mis pensamientos hablan con boca pastosa y cansada.

Logro abrir los dos ojos. Respiro el aire viciado y denso de la habitación: el tabaco, el alcohol, el sudor.

Por fin salgo de la cama, no sin antes reflexionar sobre mil gilipolleces que no vienen al caso dadas las circunstancias en las que me encuentro.

Levanto la persiana y abro la ventana de par en par. Saco mi brazo desnudo al exterior, como si pudiera arañar el azul del cielo y cortar los rayos de un sol cítrico.

Vuelvo la espalda a la ventana y miro a la pared mientras tengo una certeza: quiero escuchar algo de música. Pero una nueva reflexión me asedia: "¿Cuál sería la primera canción del año?" No me atasco. Lo tengo muy claro: 'Tears dry on their own' de Amy Winehouse.

Me apoyo en la mesa rindiéndome a la voz de Amy, a su manera de entender la música, a los arreglos instrumentales… a la canción. ¡Qué descubrimiento la Winehouse! Escuchar su último disco, ‘Back to black’, es como retrotraerse al soul-pop de los sesenta, a las producciones de Phil Spector para las Ronettes… Un día tras otro no dejo de embriagarme con el sonido vintage de las canciones de esta híbrida entre Aretha Franklin y Sarah Vaughan.

Pobre Amy, carne de contradicción: en apenas un año ha saboreado la gloria y la miseria. Mientras la crítica especializada aplaude sus discos –sobre todo el ya mencionado ‘Back to black’-, la prensa del corazón hace caja con su turbulenta vida privada: drogas, alcohol, peleas a puñetazo limpio con su marido, lapsos depresivos y clínicas de desintoxicación –“Quisieron llevarme a rehabilitación y yo dije: no, no, no” canta Amy en ‘Rehab’, tema que abre su último álbum-.

Sólo espero que la anécdota y el comentario morboso no se coman la, por ahora, breve pero intensa carrera de la Winehouse. De momento, ya se sabe que habrá nuevo disco para 2008, y ésa es la primera gran noticia que me regala este imberbe año.

'Tears dry on their own', Amy Winehouse

'Back to black', Amy Winehouse

Homenaje particular a la Navidad

2007-12-28T01:22:00.000+01:00

La Navidad ha infectado las arterias de Madrid, ciudad impracticable en estas fechas. Sin embargo, renuncio a la justa y sana condición de ermitaño. Me lanzo a las céntricas calles de la capital como un obtuso funámbulo que intenta caminar por la cuerda a sabiendas que bajo sus pies no hay red alguna.

Intento remontar la corriente inexorable de gentes que desciende erosionando las bulliciosas calles de la ciudad: Arenal, Preciados, Montera, Carretas…

En las calles, se ama y se odia; se indulta y se amasa rencor; se presta ayuda y se pone la zancadilla; se piropea y se insulta; se besa y se escupe; se acaricia y se empuja.

En las calles, la gente compra, come, bebe, fuma… El parné devora al tiempo. El tiempo devora al parné.

En las calles, la determinación de cada paso es el único machete para atravesar con éxito la jungla frondosa de gentes.

En las calles, más que libre, me siento dueño de mi propia celda.

Delicias sonoras en 'Ciudad de Dios'

2007-05-15T15:22:00.000+02:00

Saludos a la muchachada blogotroter desde el más acá:

Hace ya unos cuantos días que no actualizo el Blogo Bizarro y no es por falta de tiempo (creo que no es necesario que os lo jure) sino más bien por dipsomanía de 'inspiración', felón término que podríamos traducir más justamente por el de 'ganas'.

Pero el apetito por lanzar unas líneas en la virtualidad bloggera ha vuelto a hacer sonar mis tripas. La causa principal es la razón de ser de este post: la banda sonora de Ciudad de Dios (2002), una increíble película de factura brasileña que hace poco me dejó asombrado por su historia, su impactante imagen, su gran ritmo y, claro, su tremenda BSO, impregnada de funk, soul, samba, bossa, pop e incluso una pizca de house. La perfecta simbiosis de imágenes y música situán esta cinta en la onda de películas como Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994) y Malas calles (Martin Scorsese, 1973).

Los directores del filme, Fernando Meirelles (El jardinero fiel) y Katia Lundi, se sirven de la historia de un chaval que vive en el conjunto de favelas Ciudad de Dios (Río de Janeiro) para retratar el ambiente en el que, durante los 60, 70 y princpios de los 80, se cuece el crimen organizado: robos, tráfico de drogas, asesinatos... Ojo al dato, porque la película está basada en hechos reales, lo que confiere a la historia tintes mucho más estremecedores. Sin duda, se trata de un filme crudo, pero, a la vez, muy hermoso.

Pero es que no sólo la película en sí es sobresaliente, sino que también su banda sonora es realmente interesante. Si bien el disco original, distribuido por Warner, no contiene todas las canciones que suenan en el filme, sí cuenta con el score completo, es decir, con el material íntegro que se compuso especialmente para la película. Llegados a este punto, podemos ya diferenciar claramente dos partes en la BSO de Ciudad de Dios: a) el score, y b) las canciones de diversos artistas que se han utilizado también como parte de la música del filme.

a) Score: está compuesto por dos de los músicos actuales más currantes de Brasil en lo que a bandas sonoras se refiere: Antônio Pinto y Ed Cortes. Del segundo, poco he podido encontrar en la red de redes. Sin embargo, de Pinto podemos decir que ha compuesto la música de películas brasileñas como Estación central de Brasil (Walter Salles, 1998) y que incluso ha tenido sus escarceos con Hollywood escribiendo la BSO de Seduciendo a un extraño (James Foley, 2007) y colaborando en la de Collateral (Michael Mann, 2004). En definitiva, una especie de Gustavo Santaolalla a la brasileña -aunque no tan laureado-.

En contra de lo que podría esperarse de una película que se adentra en una realidad de la sociedad brasileña, Pinto y Cortes no echan mano de la samba y la bossa, es decir, de lo que podríamos entender como los dos géneros más mundialmente conocidos de la música popular brasileira. Cuál es la sorpresa del espectador cuando lo que escucha es, principalmente, música funk; sonidos que recuerdan si cabe a las bandas sonoras de peliculas policiales de los mercados norteamericano e italiano, entre otros, en la deácada de los setenta. De todos modos, no es extraño que los autores del score hayan echado mano del funk, pues el estilo empezó a pegar fuerte a principios de los setenta en Brasil, siendo una de las músicas festivas de las zonas marginales del país.

El primer tema, 'Meu nome é Zé', es, sencillamente, brutal: una descarga de funk con una efectista sección de metales -casi de big band-, todo ello precedido por el audio de una de las secuencias del filme, cuando entra en escena el personaje Zé Pequeño.

En el segundo track, 'Vida de Otário', el funk se mezcla con el rock encarnado por las guitarras distorsionadas, lo que recuerda en ocasiones al funk-rock de la gran Betty Davis. Algo parecido ocurre en 'Funk da Virada', donde se pueden apreciar algunos guiños a la samba.

También encontramos piezas húmedas y calientes, como 'A Transa' y 'Estória da Boca'.

Los únicos temas que más beben de la música popular brasileira son la samba 'Convite para vida' y la 'Batucada' remezclada por DJ Camilo y DJ Yah, que convierten la canción en una especie de trance house.

b) Otras canciones: la colección de canciones no originales del filme es también realmente buena. Hay pop 'hipioso' de la mano de uno de los grandes rockeros de Brasil de todos los tiempos, Raul Seixas, y su 'Metamorfose ambulante', incluida en el álbum 'Krig-ha Bandolo!' (1973). Por cierto, Seixas fue el primer artista que introdujo instrumentos electrificados en la música popular de Salvador de Bahía.

También encontramos a Hyldon, uno de los mayores exponentes de la música soul brasileña. De su álbum de debut, Na Rua, Na Chuva, Na Fazenda (1975), se ha extraido para la BSO de este filme la canción homónima, una auténtica gema de soul-pop frágil y etéreo.

'Nem Vem que Nâo Tem' es una bossa-pop con toque jazzeros de Wilson Simonal, la primera superestrella negra de la música popular brasileña -aunque, dicen, nunca llegó a deshacerse de la mala fama que se ganó cuando lo acusaron de que trabajaba para el Departamento de Órden Público y Social, que utilizaba métodos de tortura durante la dictadura que vivió Brasil en los años sesenta-.

Cartola

Encontramos, asimismo, funk facturado en los setenta brasileiros de la mano de un por entonces alocado Tim Maia. Para la BSO de este filme se ha elegido el groove pesado y sensual de 'No Caminho Do Bem', incluida originalmente en su álbum Tim Maia Racional (1974) -una vez más, encontramos ecos a Betty Davis-.

Pero, al menos para un servidor, la joya del álbum es la bossa melancólica y profunda 'Preciso me encontrar', del inigualable Cartola, una especie de alquimista que combina con sabiduría música y lírica. ¡Todo un descubrimiento! Compositor, cantante y poeta, su nombre real era Angenor de Oliveira. Un currante de la música que, paradójicamente, grabó su primer álbum a los 65 años. Tal es la influencia de este artista en Brasil que en 2001 -veintiún años después de su muerte- se fundó en Río de Janeiro el Centro Cultural Cartola.

'Preciso me encontrar' comienza con Cartola arrancando a su guitarra unos arpegios realmente tristes, ondulante montura sobre la que cabalga una especie de fagot u oboe que va tejiendo una extraña y melancólica melodía... La bossa toma ritmo de samba con los primeros versos del poeta: "Deixe-me ir, preciso andar / Vou por aí a procurar" ("Déjame ir, necesito andar / voy a buscar por ahí"). Versos que dejan entrever cierta esperanza en contraste con lo fatídico de la música. Horror y belleza... como Ciudad de Dios. Nunca antes había escuchado un efecto tan tremendo: el que se logra con la unión de unos versos sencillos, pero sinceros, y una música nostálgica. Profundidad y franqueza sólo comparables, quizás, a la de 'Los ejes de mi carreta', de Atahualpa Yupanqui. En fin... ahí abajo dejo un vídeo en el que el respetable puede escuchar este hermosa canción (no es un videoclip, sino un montaje de un particular).

De Cartola también se ha elegido para la BSO de esta película la deliciosa 'Alvorada', una samba alegre que regala sol para el corazón.

Hyldon

Una última nota antes de terminar este (largo) post: el actor que interpreta a Mané Galinha es Seu Jorge, a cuya carrera musical habría que echar un vistazo. Por el momento sólo escuché la interesante BSO que compuso para The life aquatic with Steve Zissou -un regalo del Chamo Candelas-: canciones de la época glam de David Bowie adaptadas al portugués y, algunas, en clave de bossa. Muy curioso.

Otro día hablaré de mi romance con Astrud Gilberto...

Brasil me atrapó en sus redes...

Trailer de Ciudad de Dios (2002)

'Preciso me encontrar', Cartola

'Alvorada', Cartola (1974)

'Metamorfose ambulante', Raul Seixas

'Changes', Seu Jorge (The life aquatic with Steve Zissou)

Ariel Rot en concierto

2007-04-30T19:01:00.000+02:00

Rot and roll

Ariel Rot
Lugar: Centro de Artes Escénicas (CAES). Torre Pacheco. Murcia
Fecha: Sábado, 14 de abril de 2007
Músicos: Ariel Rot (voz, guitarra), Mike Hernández (bajo), Osvi Grecco (guitarra, coros), Tito Dávila (teclados, coros), Toni Jurado (batería)

Ariel Rot volverá y revolverá a la Región y siempre dará a su público lo que mejor sabe ofrecer: una clase magistral de rock, con elegancia, temple... Rot and roll, en definitiva. El guitarrista argentino ha labrado, a base de años y años de carretera, su propio estilo: rock de lujo, adulto, salpicado con referencias folclóricas -tango, milonga, chacarera...-, melodías 'beatlelianas' y blues grasiento al más puro estilo Stone.

El pasado sábado (14 de abril), el músico abrió su nueva gira en el CAES de Torre Pacheco. Un tour que sirve para conmemorar las tres décadas de carrera de Ariel.

El auditorio está prácticamente lleno. Varias adaptaciones instrumentales de clásicos de los Beatles sirven de aperitivo al show. Por fin se apagan las luces. Aplausos. Se abre el telón y ahí está Ariel, en el centro del escenario, acompañado por una banda de viejas y nuevas caras. Todavía no se ha abierto del todo el telón cuando el grupo escupe rápidamente los primeros acordes de 'Lo siento, Frank', más acelerada y potente que la original, publicada en el disco homónimo de 2003. Un dato anecdótico –o no-: Ariel luce nueva guitarra, su última adquisición, una Telecaster del año 65, desconchada, de la que el argentino no se separa prácticamente en todo el espectáculo.

El auditorio recibe con fervor la apertura del concierto. Se nota en el ambiente: había ganas de tener de nuevo al rockero por estas tierras. Ariel se siente a gusto, tranquilo, mece el tiempo, quiere paladear cada segundo del show.

Por su parte, la banda está perfectamente engrasada. Mención especial para el gran fichaje de esta gira, Mike Hernández, bajista de alta precisión que hace gala de un swing único. Al fondo de la palestra, Toni Jurado demuestra con creces su gran pegada con la batería y, por encima de todo, su versatilidad para abordar diversos estilos. Tito Dávila (teclados) y Osvi Greco (guitarra) son ya dos piezas sin las que un concierto del argentino no sería el mismo.

En cuanto al repertorio del show, algunos podrían criticar que no varió mucho del que solía tocar el músico en su última gira. Sin embargo, si uno presta atención, puede descubrir detalles y guiños que enriquecen las canciones, como, por ejemplo, la evolución vocal de Ariel, que imposta la voz a lo Johnny Cash en temas como 'Sin sabe qué decir' y 'Adiós, carnaval', de la que ofrece la nueva versión a lo Dr. John que canta Bunbury en Dúos, tríos y otras perversiones. De hecho, muchos de los temas que el argentino toca son las nuevas adaptaciones que se han incluido en el álbum de versiones. Así, desfilan por el escenario la 'tomwaitsiana' 'Dos de corazones', con ese órgano infernal de Dávila; la emotiva 'El mundo de ayer'; la declaración de principios de 'Hoja de ruta'; la profunda 'Cenizas en el aire' -¡Qué pena que no estuviera Calamaro para cantarla!-; 'Dulce condena'...

Ariel, solo sobre las tablas, protagoniza uno de los momentos más entrañables de la noche interpretando una parte de 'Señoritas', canción incluida en el álbum de Calamaro Nadie sale vivo de aquí, de 1989, un año antes de que se gestasen Los Rodríguez.

Después sale el resto de la banda para hacer la increíble pero cierta versión del clásico rodriguista 'Mucho mejor' en clave de tango –resulta curioso ver a Ariel sin guitarra, micro en mano, como si de Goyeneche se tratara-.

La mítica 'Milonga del marinero y el capitán' cierra un show que demuestra que Mr. Rot, con canas pero sin barriga, sigue en plena forma. Chapó.

Entrevista a Ariel Rot

2007-04-24T22:22:00.000+02:00

Salud a todos, blogotroters:

Continúan desfilando interesantes entrevistas por el Blogo Bizarro. Esta vez le toca el turno a Mr. Rot, Ariel Rot, a quien tuve la oportunidad (y el gusto) de entrevistar por primera vez el pasado 11 de abril. El resultado fue publicado dos días después en el diario LO, pero, para variar, faltó espacio para plasmar la conversación íntegra (esta vez el motivo respondía a criterios fotográficos, digamos, pues parecía que el gran tamaño de la foto de Ariel importaba más que sus palabras. "Qué más da lo que diga, lo que importa es que haya imágenes gigantescas para ocupar fácilmente la página, y que la lectura sea rapidita, lo demás es sólo morralla...", pensarán algunos). En fin... sólo me queda dar las gracias a Ariel, pues a pesar de que la entrevista fuera vía telefónica -hecho que no ayuda, a priori, a que la conversación sea más cálida y fluída-, el músico atendió con gentileza a todas las preguntas del sagaz periodista, e incluso regaló interesantes disertaciones, lo cual facilita bastante las cosas al redactor. Eso sí, espero que el próximo encuentro sea más cercano y que haya más tiempo para hablar de muchas cosas que se quedaron en el tintero...

Ariel Rot
"Todavía me sigue emociando
montarme en la furgoneta
y subir al escenario"

Por Julio Ródenas
No le rodea ningún aura de divo, pero lo cierto es que Ariel Rot ha dejado una huella importante en el rock español, ya sea a finales de los setenta con unos imberbes Tequila, en la primera mitad de los noventa con el super grupo Los Rodríguez y, desde hace diez años, en solitario. Todas estas aventuras suman nada menos que 30 años de música, tres décadas de rock and roll que el músico argentino celebra con una elegante caja, Etiqueta negra (Dro), en la que se incluye el álbum Dúos, tríos y otras perversiones, con colaboraciones de Andrés Calamaro, Enrique Bunbury y Miguel Ríos, entre otros; un recopilatorio con algunas de las mejores canciones de todas sus etapas; un disco de rarezas, maquetas y temas en vivo; y, por último, un DVD con dos documentales: Vals de los recuerdos 1977-2007 (un repaso a la carrera del guitarrista) y el making of de Dúos, tríos y otras perversiones. "Treinta años, ¿quién los pillara, no?", ironiza entre risas Ariel. El autor de Cenizas en el aire abrió el pasado 14 de abril su nueva gira en el CAES de Torre Pacheco (Murcia).

No sé si te lo planteas, pero, ¿eres consciente de que has escrito algunas de las páginas más importantes de la historia del rock en España?
Bueno... No es que uno se levante una mañana y diga: ¡Cuántas páginas importantes en el rock he escrito! Es algo que se nota en el trabajo y en el respeto de la gente, algo que se siente más de afuera hacia adentro.

Cumples treinta años de carrera musical. ¿Qué queda en Ariel Rot de aquel chaval que llegó a Madrid en el 76 cantando eso de "un día en el colegio es un muermo total"?
Afortunadamente, a pesar de que haya algunos que se han quedado en el camino, las cosas esenciales siguen estando. Sigo tan entusiasmado como cuando llegué, me sigue emocionando montarme en la furgoneta y subir al escenario.

Durante todos estos años, tu lenguaje ha sido el rock, aunque en ocasiones influido por el folclore argentino y el jazz. ¿Recuerdas cuándo comenzaron estos estilos a marcar tu música?
Sí, fue llegando a los 30 años, en mi última etapa en Argentina, cuando volvía a allá siendo un rodríguez. Conocía a artistas del tango, y con Andrés comenzamos a interesarnos por el folclore. Fuimos unos desprejuiciados y unos irreverentes al atrevernos con este género al que la gente se dedica de manera tan seria y durante tantos años. Pero creo que así se produjo una química especial, ese cocktail... Nos adentramos en ese género sin perder nuestro estilo.

Tequila, en 1978

¿Fue duro retomar tu carrera en solitario después de la disolución de Los Rodríguez?
Digamos que me encontré en una situación que no habría deseado, que era la separación de Los Rodríguez. Tuve que enfrentarme a una nueva realidad porque no había encontrado a un socio para formar un nuevo proyecto. Pero me siento relativamente nuevo, es decir, llevo sólo unos nueve o diez años en este rol, creo que no he tocado techo todavía... musicalmente, quiero decir. A nivel creativo, la geografía de mi universo musical se puede seguir ampliando.

De entre todos los discos que has publicado en tu carrera, ¿hay alguno del que digas: "Ésta sí que fue una grabación redonda"?
Tengo que confestarte que no suelo escuchar mis discos, es muy raro que me los ponga. Además, mi percepción de mis grabaciones es totalmente fluctuante, depende de las circunstancias del momento. Prefiero no entrar ni en fobias ni en autoelogios excesivos.

Fuimos unos desprejuiciados y unos irreverentes al atrevernos con el folclore, pero así se produjo una química especial... Nos adentramos en ese género sin perder nuestro estilo

Centrémonos en tu último álbum, Dúos, tríos y otras perversiones. ¿Cómo seleccionaste el repertorio? ¿Cada artista eligió el tema que quería interpretar?
Casi siempre lo elegimos a medias. Yo mandé a cada artista dos o tres alternativas y hubo de todo... Bunbury, por ejemplo, tardó cinco segundos en elegir la canción. Coque Malla tardó cinco días.

¿Y en cuánto a la selección de artistas?
Yo hice una lista de posibles artistas. Hubo algunos que no pudieron estar...

¿Sabina, por ejemplo?
Sí, por ejemplo.

Se le echa en falta en el disco...
Nosotros sí que le echamos en falta cuando teníamos la canción una noche en el estudio justo para grabarla.

Ariel como productor en 1984, durante la grabación del álbum de Pistones 'El pistolero'

Lo que llama la atención de este álbum es que no es el típico disco de duetos, sino que algunas canciones se enriquecen con nuevas e interesantes perspectivas, como la versión tanguera de 'Mucho mejor', con Javier Calamaro ¿La idea fue de él o tuya?
La idea fue de el productor José Nortes y mía. El enfoque del disco era que cuanto más se distanciasen las canciones de las versiones originales más sentía yo que habíamos cumplido con el objetivo. Además, cada artista no aporta sólo su voz, sino toda su esencia, o en ocasiones yo me encargaba de quitársela para que sonara diferente (risas). Pero, bueno... yo ya tenía muchas ganas de meter un tango.

También quedó muy redonda la adaptación de 'Dos de corazones' con Lichis (La Cabra Mecánica), quedó muy a lo Tom Waits de Rain Dogs.
Sí, totalmente... Con el Lichis fantástico...

¿Las versiones se improvisaban en el estudio o tú ya llegabas con una idea preconcebida y definida?
Cada canción fue como una película, cada una tuvo vida propia. Unos días antes de grabar cada tema, yo empezaba a investigar un poco con el piano para intentar no repetirnos. Pero después pasa lo que siempre ocurre en el estudio, que algunas cosas que sonaban bien en el papel, no suenan bien en la práctica, con lo que hay que improvisar. Esto nos ocurrió con la versión de 'Adiós, mundo cruel', con Jaime Urrutia. Al principio no nos convencía, pero, de repente, le dimos un toque a lo Ray Charles y Elvis Presley que nos gustó mucho. De hecho, es una de mis favoritas.

Llama la atención el sonido crudo de las grabaciones...
El sonido está muy cuidado, es muy noble, pero está grabado a la antigua, es decir, en Pro Tools pero con toda una serie de periféricos que se usaban antes en las grabaciones analógicas.

Y eso es lo que le da ese sonido 'vintage'...
Exacto.

Los Rodríguez, en 1995

En este disco hay versiones de temas de Los Rodríguez, de tu etapa en solitario, pero ninguno de Tequila, ¿no querías tocar esa época para este álbum?
No, no es eso. Para mí había tres o cuatro artistas que podrían haber versionado un rock and roll de Tequila: M-Clan, Los Ronaldos, Fito & Fitipaldis y Pereza. Pero ninguno quería. De hecho, M-Clan se ofendieron un poco, diciendo que ellos no sólo tocaban rock and roll. Así que decidí que Carlos Tarque cantara 'Me estás atrapando otra vez', que es una canción a la que le tenía muchas ganas desde hace años.

Puede que en 'Cenizas en el aire' haya la mayor cantidad de canciones buenas y perdurables que haya escrito nunca

Volvamos la vista hasta el año 2000, cuando publicas Cenizas en el aire. ¿Crees, como se ha dicho, que fue un disco que marcó un antes y un después en tu carrera?
Puede ser. Ten en cuenta que es el segundo disco en solitario despues de Los Rodríguez. Para el primero (Hablando solo), tenía material de hacía diez años. Cenizas en el aire es el primer disco con material actual, fue el primero álbum homogéneo, muy redondo, con un montón de canciones buenas. Puede que en ese disco haya la mayor cantidad de canciones buenas y perdurables que haya escrito nunca. Todavía hay varias canciones de ese disco que suelo tocar siempre en directo.

Por cierto, la canción homónima que compusiste para aquel álbum tiene una muy buena versión en Dúos, tríos y otras perversiones, con Andrés Calamaro.
Esa quedó brutal, fue increíble... Además, tiene un desarrollo en intensidad muy bueno.

Comentabas en la entrevista que te realizó Juan Puchades para el libro Sin vuelta atrás que en Cenizas en el aire también hubo una evolución en tu voz. Creo que trabajaste mucho este aspecto...
Digamos que mi asignatura pendiente era encontrar un lugar con mi voz, así que trabajé mucho por eso. Creo que diez años trabajando con un instrumento es poco, a partir de los diez años es cuando empiezas a tocarlo bien. Además, la voz fue una parte muy dura en el disco Dúos, tríos y otras perversiones, porque estaba junto a cantantes muy buenos. Fue como un máster para mí.

15 de marzo de 2001, Teatro Jacinto Benavente de Galapagar (Madrid), durante la grabación de 'En vivo mucho mejor'

Tres años después de Cenizas en el aire publicas Lo siento, Frank, en el que utilizabas la canción que da nombre al disco para criticar la situación de la música. Han pasado cuatro años desde entonces, ¿crees que ha cambiado algo?
Creo que nos hemos acostumbrado. De todas formas, la de la canción era una crítica bastante humorística, sarcástica. Siempre ha convivido la música hortera y comercial con el rock, y salvo en determinadas ocasiones, el rock ha ganado por afanos, como diríamos en Argentina, o por goleada, a la música de poca calidad.

Una curiosidad, ¿cuántas guitarras tienes ya? La última que te vi era una Gibson SG...
No, la última la compré hace poco en Mendoza, una Telecaster del 65...

Es con la que apareces en el videoclip de 'Me estás atrapando otra vez' con M-Clan...
Exacto, exacto, ésa es. Bueno, a ver que cuente... tengo una Stratocaster, una Rickenbacker, dos Gretch... esas son las que realmente uso, después tengo otras más raras, como la Jerry Jones y una Telecaster Custom.

En 'Dúos, tríos y otras perversiones' la voz fue una parte muy dura porque estaba junto a cantantes muy buenos... fue como un máster para mí

¿Qué artistas actuales recomendarías a los lectores?
No escucho mucha música actual, pero hay cosas que me han llamado la atención. Por supuesto, ahí está toda la onda rockera de Jet, White Stripes, The Libertines... Yo recomiendo a la gente que se compre cualquier disco del sello Stax y... ¡let's dance! (risas). Que escuchen también cualquiera de Tom Waits. También estuve escuchando hace poco la última etapa de Johnny Cash con Rick Rubin, que es brutal, qué profundidad... Antes me comentaban que para los músicos de mi edad, los referentes son casi siempre anglosajones. Decía yo que son los mejores, ¡pero es que realemente hace treinta años también eran los mejores!

¿Escuchaste el último de Tom Waits, el triple Orphans?
Sí, buenísimo... Hizo bien en no dejarse llevar por la pelotudez de los ochenta. Lo mejor es escuchar un disco de Tom Waits de los ochenta, entonces dices: ¿Cómo se podía hacer este sonido en esa época? ¿Qué es esto?

¿Te has apuntado a la moda del iPOD? ¿Qué llevas ahora mismo?
¡Hostia, pues no me acuerdo! Hace tiempo que no viajo y no lo enciendo. Pero sí, para mí es muy cómodo al viajar, así no tengo que coger una pila de discos. Voy volcando cosas poco a poco conforme tengo ratos libres.

Ariel Rot y Andrés Calamaro el 9 de diciembre de 2006, en el Pepsi Festival de Buenos Aires

Los Rolling Stones vuelven a España, ¿irás a verlos?
¿Sí? Bueno, lo intentaré, aunque siempre se me chafa con alguno de mis shows.

Otra curiosidad, ¿por qué has decidido abrir esta gira del 30 aniversario en Torre Pacheco?
Bueno... realmente esta gira no ha comenzado con ningún evento especial. Simplemente ha sido abrir la contratación y salir a la carretera.

Ahora, entre tanto lío, supongo que no tienes mucho tiempo de escribir nuevas canciones...
La verdad es que estoy con ganas de que acabe todo esto y de tener tiempo para escribir. Me cuesta mucho hacer dos cosas a la vez. Sé que las canciones van a aparecer o, si no, habrá que salir a cazarlas.

Discografía:

De izquierda a derecha y de arriba a abajo:

Etiqueta negra (Dro Atlantic / Gasa, 2007), Dúos, tríos y otras perversiones (Dro Atlantic / Gasa, 2007), Ahora piden tu cabeza (Dro Atlantic / Gasa, 2005), Acústico (Dro Atlantic / Gasa, 2003), Lo siento, Frank + Acústico (Dro Atlantic / Gasa, 2003), Lo siento, Frank (Dro Atlantic / Gasa, 2003), En vivo mucho mejor (Dro Atlantic / Gasa, 2001), Cenizas en el aire (Dro Atlantic / Gasa, 2000), Hablando solo (Dro Atlantic / Gasa, 1997), Vértigo (Serdisco, 1985), Debajo del puente (Serdisco, 1984).

Crítica: La Shica en concierto

2007-04-19T19:27:00.000+02:00

Bendita heterodoxia

La Shica
Lugar: Auditorio Municipal de Calasparra. Murcia
Fecha: Viernes, 13 de abril de 2007
Músicos: La Shica (voz, baile), Fernando de la Rúa (guitarra española), Miguel Rodrigáñez (contrabajo), Pablo Martín (percusión), Popi y Vane (coros, palmas, baile)

Todo menos ortodoxo. El sonido de La Shica escapa de clichés, de esquemas, de ideas preconcebidas, de fórmulas comerciales... El suyo no es el mismo cajón que comparten grupos como Ojos de Brujo, Chambao y un largo etcétera de bandas afiliadas al 'buenrollismo' tejido de 'flamenquito' y ramalazos de hip hop. Probablemente no haya gaveta para archivar el sonido de esta ceutí -de nombre real Elsa Rovayo- y eso, en estos tiempos, es buen síntoma. La autenticidad de su proyecto corre a su ventaja.

El pasado viernes (13 de abril) La Shica lo demostró en el Auditorio Municipal de Calasparra, donde la cantante y bailaora estuvo acompañada de un efectivo combo de músicos que sudaban sobre el escenario para lograr un sonido realmente genuino. No cabe duda: todos, desde Miguel Rodrigáñez (contrabajo) hasta Pablo Martín (percusión), pasando pro Fernando de la Rúa (guitarra) y las coristas 'Popi' y 'Vane', creen firmemente en esta aventura que ya se está saldando con éxito en Madrid y en algunos puntos del país.

Sobre las 22.00 horas sale la banda a la palestra. Los primeros acordes corren a cargo de Miguel Rodrigáñez 'Miguelón' y Fernando de la Rúa. Poco después aparece La Shica con aire solemne. Lentamente, con temple, se acerca al micrófono, decorado con flores rojas. Pelo rapado, mallas y zapatos de tacón. Algunos podrían calificarla de coplera punky. Pero, si rascamos un poco, hay mucho más que eso.

Con la mirada bien alta, La Shica ataca los primeros versos de una dulce adaptación de la hermosa copla 'Ay, pena, penita'. De la Rúa acaricia su guitarra mientras la ceutí, poderosa, arranca de sus zapatos los primeros taconeos. Es el principio de un espectáculo en el que música y baile van de la mano. Templada apertura, sin excesos. Pero el show deparará momentos emocionantes y ardorosos.

La Shica aprovecha para saludar al auditorio. "Buenas noches, Calasparra", dice. “Que sepáis que en mi casa no ha entrado arroz que no sea de aquí". Palabras que sirven para dar rienda suelta a la heterodoxia.

La banda, perfectamente compenetrada, comienza a destilar flamenco-pop en 'Pa' la calle'. Seguidamente, pasa a bases funkys en 'Viviendo con el viento', una visión optimista de la vida a pesar de las tristezas que ésta alberga en incontables ocasiones. "Tócame las palmas por la mañana", rezan los versos del estribillo, escritos por Luis Domercq, letrista del grupo. Del flamenco-funk pasan a una versión deconstruida y obsesiva de 'María de la O', donde La Shica muestra su vena más friki, como ella misma reconoce.

También hay momentos para el virtuosismo. Elsa, Popi y Vane salen del escenario y quedan Miguelón, De la Rúa y Martín para interpretar una deliciosa pieza instrumental con toques flamencos y brasileños en la que sobresalen por momentos los culebreos del contrabajo.

Vuelven las chicas a las tablas del Auditorio para anticipar el 'buen rollo' del verano con una rumba-reggae que precede a uno de los temas que más complicidad del público cosechó en la noche. Se trata de una pieza que mezcla jazz, funk, swing y rumba para contar la historia de una mujer que va buscando 'guerra' en los probadores de las tiendas. En el estribillo, todo el público corea: "Tú pa’ tras, yo pa’ lante".

El final de la canción, con ese "¡uh-ah!", guarda un pequeño guiño a uno de los máximos iconos de la 'ruta del bacalao', Chimo Bayo. Pero también hay hueco para momentos serios, protagonizados por canciones como 'Copla asesina', una copla 'hip-hopera' en la que La Shica recuerda con sabor amargo a un antiguo novio.

El grupo afrontó la recta final del concierto con una soberbia adaptación de 'La bien pagá' –mención especial al zapateado de La Shica-, el "hit" -como Elsa lo presenta- de 'Zíngara rapera', homenajes a la bicicleta de la ceutí, 'Mari Carmen', la bulería-punk 'Dame tus vivios' y, para nostalgia de muchos, una versión rumbera de 'No se ría de la Bruja Avería'.

Precisión, sutilidad y 'macarrismo' para reivindicar una bendita heterodoxia.

Entrevista a La Shica

2007-04-16T19:35:00.000+02:00

Saludos, blogotroters:

Acá dejo la entrevista que realicé a La Shica y que salió publicada hace poquito en el diario LO con motivo de su actuación en el Auditorio Municipal de Calasparra el pasado 13 de abril. Para cerrar, dejo sus dos videoclips: Zíngara rapera y la versión de La bien pagá; y una delicia: Lola Flores cantando el Cómo me la maravillaría yo. Más adelante, colgaré la crítica del concierto que ofreció en el Pueblo del Arroz (Rice Village). La Shica, recordad bien el nombre porque seguro dará mucho que hablar... Skol!

La Shica
"No me entiendo del
todo con el flamenco
porque soy muy macarra"

Por Julio Ródenas
Su centro de operaciones radica, por el momento, en Madrid, aunque ya han saldado con éxito algunas visitas al resto del país e incluso a algunas ciudades del extranjero. La Shica es la voz -y el baile- de un proyecto que completan Fernando de la Rúa (guitarra), Miguel Rodrigáñez (contrabajo), Pablo Martín (percusión), 'la Popi' y 'la Vane' (coros y palmas) y Luis Domercq (letrista), un heterodoxo combo que mezcla copla, flamenco, rap, rumba, reggae y otras mieles.

Llegáis a Calasparra después de haber actuado en Estocolmo y Berlín . ¿Cómo respondió el público nórdico ante vuestra propuesta?
Genial, la gente estuvo super entregada, gritando y bailando. En Estocolmo hubo mucha gente: 250 personas pagando una entrada de 16-20 euros, algo que no hemos conseguido ni en Madrid.

En la capital habéis hecho ya un buen puñado de conciertos y la respuestas del público está siendo bastante buena, pero ¿qué tal cuando habéis viajado a otros puntos de España?
Fuera de Madrid está yendo muy bien. En La Palma fue emocionante. Al final del concierto yo estaba con la lagrimilla, te lo juro, con el calorcito del público... Hicimos la prueba en Castilla-La Mancha, que es la España profunda, y tenías que ver a las abuelitas bailando. Ellas nos pedían los temas más punkys. "La del vicio, la del vició", decían. Las abuelitas nos pedían las canciones más cañeras.

Una de las cosas que pretende La Shica es lograr un sonido original, pero, realmente, ¿tenéis una fórmula determinada para conseguirlo?
No tenemos ninguna fórmula. El grupo tiene una formación muy rara y no todas las cosas suenan, es difícil. La movida es que lo que se consiga suene chulo.

Cuando formasteis La Shica, ¿qué tenías en la cabeza? ¿Partíais de alguna base?
Bueno, al principio estábamos Fernando de la Rúa, el guitarrista que me acompañaba en el tablao Las Carboneras, y yo. Un día le salió un bolo en Chueca y yo dije: "Pues yo voy a cantar mañana". Ese concierto lo vio Miguel (Rodrigáñez, contrabajista) y dijo que también quería unirse al proyecto, y después con Pablo (Martín, percusionista), lo mismo... Yo sabía que lo que me molaba era la copla. No soy rapera, más bien lo que hago es un reciclado flamenco. A mí la que me gusta es Lola Flores, ésa sí que era una rapera. Hombre, escucha tú ese Cómo me la maravillaría yo... Ése es el rollo que yo llevo. Lo que pasa es que después siempre vamos haciendo lo que nos apetece: que si un reggae, que si una rumba...

No soy rapera, más bien lo que hago
es un reciclado flamenco

¿Cómo se cocina una canción de La Shica? ¿Cuál es el proceso?
Primero tengo una idea. Entonces quedo con Luisito (Luis Domercq, letrista de La Shica), comemos spaguettis, como siempre, y empiezo a contarle como si él fuera mi terapeuta. Más tarde, Luisito escribe la letra. Después llego al ensayo con los músicos y Fernando, que es una mina, empieza a sacar cosas, y yo también comienzo a sacar alguna melodía.

Hablando de las canciones de tu maqueta, una de las que más llama la atención es la curiosa adaptación de La bien pagá. ¿Cómo se os ocurrió incluir ese final rapeado?
La verdad es que no me acuerdo bien. Al principio terminábamos la canción con una coletilla, repitiendo " si yo soy la bien pagá, si yo soy la bien pagá..." Pero después surgió terminarla con lo del rapeo, entonces, Luisito, que es un fiera, escribió la letra de la última parte de la canción.

Volvamos un poco la vista al pasado. Llegaste a Madrid desde tu Ceuta natal cuando tenías sólo 15 añitos. ¿Cómo recuerdas esa época?
Yo era muy chica, me vine sola, dormía en una pensión y echaba mucho de menos a mi madre y a toda mi familia. Al principio no tenía amigas y lloraba todas las noches. Pero a los seis meses ya estaba integrada. Fui haciendo amigas en el instituto y en la escuela de danza. Y como yo soy muy cabezona dije: "Yo no me voy de aquí ni loca".

¿Qué era lo que te atrajo de Madrid y te retenía allí?
Yo quería bailar, y en mi tierra no hay nada. En Sevilla hay algo, pero aquí, en Madrid, hay mucho más movimiento.

De pequeña quería ser como Marisol,
que era lo más flamenco que tenía a mano

¿Y lo del flamenco lo traías ya de casa? ¿Cómo fue tu primer contacto con el género?
De chica me gustaba Marisol, que era lo más flamenco que tenía a mano. Yo quería ser como ella. Después empecé a estudiar danza española, pero me fui dando cuenta de que me gustaba otra cosa, así que me fui a Amor de Dios.

En una entrevista leí que afirmabas lo siguiente: "Algo de flamenca tengo, pero no soy muy flamenca, nunca he encajado del todo en ese mundo, soy más de barrio". ¿Por qué no te sientes dentro del mundo flamenco?
Es que es un mundo muy machista, yo lo respeto, pero no me he educado así. Es un mundo donde es muy difícil que hombres y mujeres se relacionen como amigos. Además, soy muy macarra y no me entiendo del todo con el flamenco. En el flamenco no puedes hacer ciertas cosas que hago ahora, como ir con el pelo rapado o hacer cosas muy freakies en el escenario. Creo que seguir en el flamenco era dar un paso atrás.

Aun así, sigues bailando en los conciertos, donde, según dice la mayoría de la gente, muestras una personalidad y una presencia arrolladoras. ¿Esto es sólo parte del espectáculo o Elsa tiene algo de eso en la realidad?
Cuando me subo a un escenario, soy lo que soy. No me puedo engañar, se te ve el plumero. Fuera de los escenarios soy igual.

Y la pregunta obligada y cuya respuesta están deseando escuchar muchos. ¿Para cuándo el disco?
Finalmente fichamos por Dro y, si todo va según lo previsto, saldrá el próximo otoño.

¿Qué rumbo tomará la grabación?
Ahora tenemos que empezar a currar con eso, porque no es lo mismo el disco que los directos. Hasta ahora no nos habíamos planteado mucho lo de grabar el disco, vivimos al día. En lo único que pensamos es en el concierto del próximo viernes. Lo demás... yo qué sé. Dios dirá.

Aglomeración disquera (2)

2007-04-05T14:25:00.000+02:00

Saludos en pleno periodo vacacional:

Aprovechamos bien los días de asueto grabando buena música fílmica rodeados de un clima excelente (el que se palpa en el estudio de grabación). Tres canciones para un cortometraje de factura murcianoide. Cuatro músicos y un 50% de éstos realmente bueno. Los arreglos, sugerencias y consejos de Mr 'Big' Orenes (contrabajo) y Don Gonzalo (cello) tuvieron un valor incalcublable en estas grabaciones. Y tampoco me olvido del toque esencial de Madame Mariola, que transforma sus golpes de escobillas en susurros. Mi más sincera enhorabuena por vuestro trabajo, camaradas. Eternamente agradecido.

Ya iré informando del resultado final a partir de la semana que viene, cuando esté terminada la mezcla.

De momento, seguimos con la segunda parte de la aglomeración disquera que llena mis días y mis noches. Al margen de las últimas 'vampi-compras' (Sensacional soul, VV AA; Do that thing, Willie Bobo; Movers, VV AA), he continuado descargando sonidos interesantes. Eso sí, hace poco entré en una etapa de moderación para poder asimilar bien todo este cosmos sonoro de discos que gira en órbita dentro de mi cabeza.

Continuemos...

-Alabama 3, La peste (2000). Curiosa mezcla de country, blues, pop y música electrónica (acid house). La peste es el segundo álbum de estos ingleses, conocidos como A3 en EE UU para evitar problemas legales con el grupo de country Alabama. El último corte de este álbum, 'Woke up this morning', fue utilizado como sintonía principal de la serie Los Soprano.

-Gualberto, Vericuetos (1976). El guitarrista Gualberto es al rock andaluz como James Brown al funk (por poner un ejemplo gráfico). El que fuera líder de Smash facturó en 1976 este Vericuetos, 30 minutos que sirven al músico para experimentar con el sinfonismo, el rock progresivo y ciertos guiños arabescos, echando mano de sitares, guitarras eléctricas y acústicas, violín, teclados... Épico.

-James Brown, Dynamite X (2007). Dynamite X no es un álbum de James Brown propiamente dicho, sino una parca lista de remezclas hechas por reconocidos disc jockeys internacionales. Disco con altibajos. Rescatables las remezclas de 'Give it up or turn it loose' (Fantasista Re-formation), 'Funky drummer' (Muro Mix) y 'Sunny' (Funk Master JB vs Funk Master JS). Poco más.

-Josele Santiago, Garabatos (2006). Ya tenía ganas de echarle oídos a Josele Santiago. Guiado por las recomendaciones de don Basiliopc, fiché este Garabatos, donde el ex de Los Enemigos hace gala de su lírica ácida. Rock, blues, swing y soul-pop para sustentar canciones que logran despegar, en ocasiones, gracias al plantel de músicos reunidos para la ocasión: Pablo Novoa (guitarra) y Ricardo Moreno (batería), entre otros. Para degustar con calma.

To be continued...

Aglomeración disquera

2007-03-18T21:36:00.000+01:00

Salud, blogotroters:

Mis últimos paseos por el recomendable blogo de Darío Vico me han llevado a reconocer de una vez por todas que soy un auténtico yonky de los discos. Se trata de una dulce droga que mi cuerpo reclama retorciéndose en mil gritos a través de mis venas, que en este caso son mis oídos y my soul, brotha. 'Cedeses', acetatos -este vicio se lo debo al bueno del Chamo Candelas-, descargas... Precisamente en estas últimas pienso centrarme para este post(e).

Sí, mi querida muchachada, rascar en los muros de Internet y extraer sonidos es una práctica que recomiendo a cualquier melómano como método complementario a la compra de discos. Al menos para mí, bajar música de la red de redes no es una práctica alternativa a la adquisición de cedeses en las tiendas, sino una tarea compatible. Es una buena forma de conocer un buen puñado de nuevos nombres y, si te gustan los grupos o solistas, pues a la tienda y... ya sabéis el resto.

En fin, a lo que iba (voy). Como suele ocurrirme cada vez que arreo con la aguijada a la mula electrónica, acabo con la carpeta de Incoming saturada de nuevos sonidos y, claro, la ingesta se hace, cuanto menos, bastante entretenida. Así que lo que voy a hacer es escribir unas poquitas líneas de mis últimas descargas a modo de epítome que me facilite la racionalización de toda esta nueva música. Allá vamos.

-Aretha Franklin, Hey now hey (1973). Bajo las incuestionables recomendaciones de Luis 'Doctor Soul' Lapuente descargué este interesante álbum de una de las grandes divas del soul. Trabajo poco valorado por la crítica en su día pero con mucho donde rascar: soul, gospel/blues, jazz-funk y episodios psicodélicos en una grabación timoneada por un irreprochable Quincy Jones.

-Bigott, That sentimental sandwich (2006). Esta vez la recomendación fue del Chamo Candelas. Bigott, un aragonés con un concepto musical extraño pero atrayente. No deja indiferente. Una bocanada de aire fresco para el circuito indie español, terreno sobre el que nunca me olvido de andar con pies de plomo. Por cierto, qué buen guiño freak al 'Take five' del pianista de jazz Dave Brubeck con ese sampler en el segundo corte del álbum. Para escuchar con oídos relajados y atentos.

-Cathy Claret, Susurrando (2003). Escuchar a Cathy Claret es como dar dulces bocados a un mundo sin prisas. Medio francesa, medio española y medio gitana, la Cathy logró con este Susurrando uno de los álbumes clave de su carrera. Puede que escuchar esta grabación sea una de las mejores formas de acercarse a esta artista que reparte delicado pop y rumba a partes iguales. El tema estrella es, sin duda, ese 'Bolloré' que compuso para Raimundo Amador. Más tarde, éste la regrabó junto a B. B. King, quien la incluyó en su disco His definitive hists.

-Chabuca Granda, La flor de la canela (1998). Recopilatorio de las canciones más emblemáticas de esta grande de la canción peruana, reconocida mundialmente sobre todo por el tema que da nombre a este disco, 'La flor de la canela', un vals peruano que compuso a principios de 1950 y que se convirtió en una de las canciones más representativas de Perú. Cantautora profunda. Un sano descubrimiento. "El tiempo muere gritando..."

-Elkin & Nelson, Ángeles y demonios (1974). Menos enérgico que su debut pero más experimental, este Ángeles y demonios supone una buena muestra de lo que ofrecían estos hermanos colombianos que llegaron a España a principios de los setenta: rock, sonidos latinos y funk, todo ello envuelto en una estética glam. Juan Pardo les echó pronto el ojo, viendo en el duo una posible alternativa para competir con los Barrabás de su ex compañero en Los Brincos Fernando Arbex. Para calentar el ambiente de un buen guateque.

-Ennio Morricone, The very best of (2000). Uno de los tantos y tantos recopilatorios de este monstruo de los soundtracks. Qué más se puede decir...

-VV AA, We all love Ennio Morricone (2007). Curioso álbum por eso de escuchar a artistas de pop, rock, jazz y metal interpretando temas del Morricone. Metallica, Bruce Springsteen, Roger Waters, Céline Dion... Me picaba la curiosidad de escuchar la versión de Quincy Jones y Herbie Hancock de 'El bueno, el feo y el malo', pero la impresión fue un poco decepcionante... Mejor la pieza 'Conmigo', con Daniela Mercury a la voz y Eumir Deodato a los teclados. En fin, un disco prescindible.

-Esquivel, Cabaret mañana (1995). Gratificante compilación de los deliciosos sonidos del compositor y arreglista mexicano Juan García Esquivel, considerado el padre del space age pop: una suerte de easy listening que mezcla lounge, experimentación y exotismo para dar a luz una música fascinante que puede combinarse con vermú, terrazita y suave brisa marina. Excelente. (De nuevo recomendado por el gran Chamo Candelas).

-Gilles Peterson, Gilles Peterson in Africa (2005) y The kings of jazz (2006). Peterson es una especie de gurú en esto de la música negra. Algunos incluso lo apodan el Berry Gordy británico. Desde bien jovencito comenzó a ejercer de disc jockey en garitos de Londres, impregnando sus sesiones de acid jazz y otras mieles. En fin, resulta bastante difícil encontrar una recopilación hecha por este menda que no rezume buen gusto y estilo. Los dos cedeses que comento no rompen la regla. El primero reúne temas brutales de afrobeat y afrofunk (Peter King, Manu Dibango, Fela Kuti, Abdullah Ibrahim, Antibalas Afrobeat Orchestra...) El segundo, realizado en colaboración con Jazzanova, lo tengo todavía poco escuchado, pero promete una buena descarga de jazz con clase.

-La Chicana, Lejos (2006). Cuarto y último disco (hasta el momento) de este grupo de tango de espíritu transgresor, de esencia rockera. Siempre es interesante escuchar a músicos argentinos actuales que intentan formar su propio discurso a partir de una música tan arraigada y respetable en su país como es el tango.

Hasta aquí llegamos por hoy.

Continuará...

Entrevista a Luis García Montero

2007-03-10T19:18:00.000+01:00

Salud again:

Dos posts en un mismo día, práctica poco frecuente en mí -no sé si decir insólita-. Una veces tanto y otras tan poco. Pero, en fin, hay que ir sacando cositas del cajón. Y como últimamente no me prodigo mucho en lo que a posts se refiere, creo conveniente administrar a la muchachada blogotroter una dosis doble. Así que aquí dejo la entrevista que realicé recientemente al poeta granadino Luis García Montero para el diario LO. Como suele ocurrir, en el citado periódico me faltó espacio para publicar la conversación entera. Además, no pude editarla en formato pregunta-respuesta por cuestiones de estilo. Como creo que el susodicho formato es el más ágil y cómodo para el lector, he decidido plasmar la entrevista en este Blogo Bizarro, espacio intangible que, en definitiva, me permite escribir sobre lo que me dé la real gana y cómo yo más convenientemente estime. Ahí estamos.

Luis García Montero
El músico del pensamiento

Por Julio Ródenas
Poesía y reflexión. Veinticinco años practicando ambas. Aunque en el caso de Luis García Montero (Granada, 1958) las dos cosas se funden en un mismo camino y en una misma meta. El poeta granadino visitó la Fnac de Murcia el pasado 1 de marzo para presentar su último libro, 'Poesía (1979-2005)', antología publicada por Tusquets en la que se recoge un cuarto de siglo de versos que han servido a su autor a crecer como persona y a tomar conciencia del mundo que le rodea. Comprometido política y socialmente, García Montero asegura que cada vez busca menos las rupturas lingüísticas para intentar "conseguir la música del pensamiento".

Cuarenta y ocho años vividos, veinticinco escribiendo poesía, varios premios cosechados... Parece que no te ha ido nada mal como poeta...
No, la verdad es que no. Cuando se cumplieron 25 años de mi primer libro, la editorial Tusquets me propuso publicar esta antología poética. Esta recopilación de poemas ha sido un ejercicio de memoria y de crítica. Cuando uno se lee a sí mismo es difícil hacerlo con distancia, con tranquilidad. Hay que ser muy tonto para perder la conciencia crítica. Cuando uno lee su literatura, lo primero que ve son dos sentimientos que consuelan: uno, cuando comprueba que la dedicación a la poesía merece la pena, que es el ejercicio más digno de la cultura y de las posibilidades humanas; y dos, que la poesía es útil, ya que al mismo tiempo que uno escribe sus libros, se va construyendo como persona. La poesía es una manera de reivindicar mi conciencia individual y de encontrarme cómodo con mi comportamiento público. En estos tiempos, la gente se siente muy original al repetir o imitar ideas que están flotando en al ambiente. La poesía te enseña a levantar la mano no sólo para pedir la palabra, sino también para pedir tiempo. En ese sentido, la poesía intenta avivar la mirada crítica y reforzar la conciencia ética, porque vivimos un tiempo en que a veces se apuesta por los dogmas.

Y en estos tiempo frenéticos que vivimos, en esta sociedad moderna que apenas da margen para saborear las cosas en su totalidad, ¿no le resulta difícil el ejercicio reflexivo?
Bueno, hay que vivir con atención, cosa que se nos olvida con la prisa. Esta prisa, además, no creo que sea una consecuencia superficial de la época, sino que tiene un calado profundo en la idea del tiempo que tenemos. La gente se acomoda a una idea lineal del tiempo, hay personas que creen que sólo hay una manera de progresar. En vez de discutir del futuro, la gente se cree poseedora de una única idea de futuro, quieren definir la modernidad por el ritmo que imponen los negocios. Te dicen lo que es moderno y lo que es antiguo. La poesía huye de los titulares monolíticos, del sí o el no, y se fija más en el matiz.

"En estos tiempos la gente se siente muy

original al repetir o imitar ideas

que están flotando en el ambiente"

Volviendo a tu poesía, ¿han sido estos 25 años capaces de cambiar algo en tu forma de escribir? Creo que mi poesía empezó buscando su mundo propio, un mundo heredero de las vanguardias y de los poetas de la Generación del 27. Poco a poco mi poesía ha evolucionado a una poesía entendida como ejercicio de conciencia. Más que las rupturas lingüísticas, me gusta conseguir la música del pensamiento.

"Vive junto con el pueblo,/no lo mires desde afuera,/que lo primero es ser hombre, y lo segundo, poeta". Son versos de la canción 'El poeta', de Atahualpa Yupanqui. ¿Tu costumbre de hacer poesía a partir de situaciones cotiianas te srive para eatar más cerca de lo sencillamente humano?
La poesía es un territorio paradójico. Para apostar por las ilusiones colectivas, uno apuesta por su soledad. La poesía es un género que muestra una conciencia vigilante. Cuando los poetas se quejan de que la gente no lee poesía, no toman en consideración la responsabilidad que ésta tiene. Uno de los peligros que puede conllevar la poesía es que ésta se ha convertido en una jerga para iniciados, es decir, los poetas escriben para poetas, no para la gente, lo que hace que la poesía acabe en arqueología. Por eso es muy importante abrir ventanas, que entre aire fresco. Por mirar mucho a las estrellas, no se puede dejar de mirar lo que pasa en la tierra. Lo difícil está en no confundir la calidad con la dificultad.

¿Cómo recuerdas los años en que te vinculaste al grupo poético La Otra Sentimentalidad?
Eran años de aprendizaje de lo que me siento heredero, de lecturas. Leí las reflexiones de Antonio Machado sobre la poesía, y decía que las novedades de ésta no tenían que ver con la forma. Las novedades formales de la poesía se quedan rápidamente anticuadas, pasa lo mismo que con los últimos modelos de ordenadores. Sin embargo, el poeta es aquel capaz de crear una nueva visión del ser humano. Sólo cuando hay una nueva educación sentimental puede haber una nueva poesía. Se ha demostrado que la política da cada vez más importancia a cosas que tienen que ver con la identidad de la persona. En eso los poetas hemos sido unos adelantados, tenemos que sentirnos orgullosos.

¿En qué sentido te ayuda dotar a algunos de tus poemas de una estructura casi teatral o novelística?
Creo que hay que pensar muy bien lo que se dice para ser dueños de nuestras opiniones. El poeta que convierte su poesía en un desahogo personal se parece a aquel que dice lo primero que se le ocurre. En este sentido, el poeta tiene que distanciarse de sí mismo y conocer la objetividad. El conocimiento poético se consigue mediante la ficción.

Algunos de sus poemas se caracterizan por su responsabilidad social. ¿Qué es lo que más preocupa a Luis García Montero cuando abre el periódico una mañana cualquiera?

Lo que más afecta es el descrédito de la política. Se ha relacionado la corrupción con la tarea política, cuando ésta es una de las labores más nobles para conseguir la convivencia. Me preocupa el descrédito de los espacios públicos. Vivimos en una época de grandes transformaciones. La globlalización en que vivimos es una realidad, lo que tenemos que hacer es dar respuestas. En vez de crear tantas reglas de comercio libre y cosas así, habría que crear reglas de Estado de desarrollo moral y desarrollo de nuestros derechos.

"El poeta que convierte su poesía

en un desahogo personal se parece

a aquel que dice lo primero que se le ocurre"

"Cada tiempo de dudas necesita un paisaje", dice uno de tus versos. ¿Dudaste en algún momento de tu futuro y tu presente poético?

Claro que he dudado. Hay que ser muy torpe para abandonar la conciencia crítica. Cuando acabo un poema, no sé si voy a escribir el siguiente. La duda es fundamental para avanzar, sobre todo en poesía.

¿Qué influencia ha tenido Granada en tu poesía?

Mucha. Decía Machado que uno es de donde ha hecho el Bachillerato, y yo lo hice en Granada. Esta ciudad es el paisaje de mis sentimientos. Con Granada me pasa lo mismo que le ocurría Baudelaire con París. Intento recordarla como era cuando yo era pequeño. Ahora, aquella panadería es una ferretería, y el retaurante donde iba con mis padres a comer se ha convertido en un Zara.

Tu esposa, Almudena Grandes, y tú, ¿os influíis mutuamente? ¿Cómo se vive ese entorno literario?

Está claro que ayuda mucho convivir con alguien que entiende lo que haces. Mi primera lectora siempre es Almudena. Me gusta que lea lo que escribo y a ella le gusta que yo lea lo que escribe. Discutimos, nos damos consejos... Y también nos comprendemos, porque cuando uno está escribiendo te salen manías. La admiro mucho y no hay celos de ningún tipo puesto que la poesía y la novela son terrrenos distintos. Reconozco el rigor de su literatura, ella escribe no sólo para tener lectores, sino también para hacer literatura de calidad.

Una curiosidad, ¿por qué presentas este libro en Murcia?

Primero porque tuve una invitación de la Fnac. Y, en segundo lugar, porque tengo buenos amigos aquí, como profesores de la Universidad –Díez de Revenga–y colegas escritores, como Eloy Sánchez Rosillo. Además, estoy acostumbrado a venir a Murcia, ver el Museo Ramón Gaya...

'Poesía (1979-2005)', de Luis García Montero, está editada por Tusquets.

(Esta entrevista fue realizada vía telefónica el 28 de febrero de 2007)

Crítica: 'In concert', Eumir Deodato / Airto Moreira

2007-03-10T13:18:00.000+01:00

Saludos desde el más acá, muchachada blogotroter:

Vuelvo y revuelvo a esta bitácora bizarra para hablar de compras disqueras recientes. Discos interesantes a precios bajos. ¡Ojalá siempre fuera así! No es por hacer publicidad, pero más de una y dos veces me he topado con buenos CD's y baratos en los grandes almacenes que Mediamarkt levantó a escasos metros de mi casa. Si bien es cierto que uno echa en falta algo más de variedad, tampoco nos podemos quejar demasiado en cuanto a los euros que cuestan los discos en el centro alemán. Para mayor diversidad tenemos la Fnac, aunque, eso sí, con precios más altos.

El caso es que hace cosa de una semana estuve merodeando cual rata de mediateca por las estanterías de Mediamarkt. La visita se saldó con la adquisición de 3 CD's y... bueno, en fin, creo que la compra fue exitosa.

Empecemos...

Eumir Deodato / Airto Moreira
In concert
CTI (1974) Reeditado por Sony en 2003
**********
El 20 de abril de 1973 el sello de jazz CTI la montó gorda en un Nueva York que, por entonces, gozaba de una interesante explosión latina. Las arterias del latino barrio del Harlem todavía rezumaban la salsa y el boogaloo popularizados en la década de los sesenta gracias a artistas como Johnny Pacheco (Fania Records), Pete Rodríguez y Ray Barretto. Pero, en fin, ésta es otra historia.

El caso es que la discográfica CTI, fundada por el músico Creed Taylor a finales de los sesenta, organizó aquel 20 de abril de 1973 un macroconcierto en el que actuarían todas las estrellas de su catálogo: desde Stanley Turrentine a Freddie Hubbard, pasando por Bob James, Ron Carter, Airto Moreira y Eumir Deodato. Parte de las actuaciones de estos dos últimos músicos fue recogida en el CD que comento, 'In concert'.

El teclista brasileño Deodato saboreba por entonces las mieles del éxito que le había proporcionado su brutal adaptación funky del clásico de Richard Strauss 'Also sprach Zarathustra' ('Así habló Zaratustra'). El dato le bastaba para ser cabeza de cartel del festival de CTI.

Por su parte, el percusionista Airto, compatriota de Deodato, llegaba también a Nueva York como peso pesado del jazz latino -Moreira ya había tocado con músicos de la talla de Miles Davis ('Bitches brew', 1970)-.

'In concert' se encargó de recopilar extractos de las actuaciones del teclista y del percusionista. Sin embargo, hay un dato curioso que es lo que, en definitiva, hace perder enteros a este CD. Lo explico. Para el Lp original de 1974, Creed Taylor decidió incluir sólo tres temas del directo de Deodato, más dos del concierto de Airto. Creo que éste es el primer fallo del disco, pues más enriquecedor habría sido contar con los dos conciertos íntegros.

Bien. Más tarde, en 1989, cuando el sello Legacy reeditó por primera vez el álbum en CD, se incluyó solamente el concierto del teclista, mientras que el del percusionista quedó -extrañamente- marginado.

Y llegamos a la reedición más reciente, la de Sony en 2003, es decir, la presente. Quizás lo lógico hubiera sido aprovechar este relanzamiento para recoger los dos directos enteros -y así, por ejemplo, poder deleitarnos con la versión en vivo del 'Also sprach Zarathustra'-. Pero no. Lo que hace Sony es volver a la idea del vinilo original e incluir tres temas de Deodato y dos de Airto, más un par de 'bonus tracks' del primero: 'Baubles, bangles and beads' y 'Skyscraper'. Una lástima, sin duda.

Aun así, el CD merece la pena. La música que hay aquí dentro tiene mucho valor. El directo de Deodato es poderoso, con una efectiva sección de metales a cargo de Joe Temperley (saxo barítono), Burt Collins (trompeta), Joe Shepley (trompeta) y Garnett Brown (trombón). Mención especial para el guitarrista John Tropea: alucinante en el tema que lleva su apellido por título.

A Airto Moreira sólo lo podemos catar en dos cortes, 'Parana' y 'Branches'. Jazz y sonidos brasileños en un cóctel sabroso y curiosón. Por cierto, a la voz estaba su esposa, Flora Purim (deliciosa).

Y... me reservo los otros dos discos que compré para un próximo post.

(La primera fotografía es de Eumir Deodato; la segunda, de Airto Moreira. Las dos imágenes datan de principios de los setenta)

Crítica: 'Hotel Lichis', La Cabra Mecánica

2007-02-25T12:04:00.000+01:00

La Cabra Mecánica
Hotel Lichis
Dro (2005)
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Hace no mucho recomendaba al Sr. Nadie que echara un par de oídos a La Cabra Mecánica y, especialmente, a su -hasta ahora- último disco, Hotel Lichis, álbum que lleva por nombre al alma mater de este grupo, o mejor dicho, a su único componente, pues decir La Cabra Mecánica es decir Lichis, y viceversa.

De entre los cinco discos de La Cabra, Hotel Lichis resulta, probablemente, el más equilibrado. Más introspectivo y auténtico que Vestidos de domingo (Dro, 2001). Más redondo que Cabrón (Dro, 1999).

Desde la verborrea ácida de '¡Ay! poetas!' hasta la autocrítica casi destructiva de 'Antihéroe', las canciones de Hotel Lichis otorgan al disco un caminar constante, sin tropiezos de ningún tipo. Incluso lo que podría considerarse el 'medio tiempo' del álbum, 'Como Penélope en la estación del AVE', no rompe el buen ritmo general.

Es este Hotel Lichis un disco clave en la carrera del músico de Lavapiés. En primer lugar, porque incluye un puñado de buenas canciones que le sirvieron para exorcizar episodios amargos y decadentes de un pasado que a veces pinta con ácida ironía, y otras, con una mezcla de mala baba y angustia. Y en segundo lugar, porque también el álbum le ayudó a crecer musicalmente, o técnicamente, si se prefiere. Y es que Hote Lichis está casi exclusivamente interpretado por el músico madrileño. Baterías, guitarras, bajo, contrabajo y, por supuesto, voces, corren a cargo de Lichis. Aunque también se cuelan algunas colaboraciones.

Como es habitual, el madrileño echa mano de distintos palos para escupir sus historias. El corte que abre el disco, '¡Ay! poetas!', se presenta como una suerte de rumbatón cuya letra se encarga de destrozar tópicos odiosos ("Todo el mundo dice que los chinos / pillan al gato y al abuelito / y los hacen picadillo 'pa ponelo' en los rollitos ¡Ay canalla! / manda cojones con la china milenaria"), y de repasar capítulos jodidos del pasado del autor ("(...) me llegó a doler tanto que intenté suicidarme / ahogando mis carnes morenas en Coca-Cola / tomándome una aspirina con Bayleis / y quise bajar al infierno tocando / el 'Starway to heaven' al revés"). Noten, además, camaradas blogotroters, los sutiles juegos del lenguaje que emplea nuestro querido músico: "Y yo que aspiraba a Maradona / me quedé en la cocaína leré y 'dise'". La gracia está, por supuesto, en ese "aspiraba".

Con el feeling rumbero entroncan también canciones como 'La uña de la rumba', con ese efectista arreglo de tres de Pepo López; y 'El malo de la película', primer single del álbum, una rumbita catalana en la onda Peret, de esas que a Lichis le han dado tan buenos resultados comerciales -escúchense otros temas similares de anteriores trabajos como 'La lista de la compra'-.

Son, sin duda, este tipo de canciones de La Cabra las que al final tienen más cabida en las ondas hertzianas comerciales. Sin embargo, el propio Lichis confiesa que le gustaría que la gente conociera más su música por temas como 'Gracias por nada', 'Como Penélope en la estación del ave' o 'Antihéroe', triada de piezas que conforman la parte más pop de Hotel Lichis. "('Gracias por nada') es mi tema favorito del disco", comentaba el músico madrileño en una entrevista promocional. "Me gustaría (...) que la gente se acercase a mi música más por estas canciones de ambiente pop que por mis temas más folclóricos o por las rumbas, que han sido un poco el estandarte de La Cabra hasta ahora. Para mí, las rumbas son un detalle anecdótico, y quizá me sienta más orgulloso de mis composiciones en esta línea".

Lo cierto es que Lichis dispara balas certeras tanto en unos estilos como en otros. Ya lo demostró en discos como Cabrón con 'Drid pop' y 'Sobre cañones y moscas'. Ahora vuelve a dejarlo claro en este álbum. Del trío de canciones anteriormente citado, la más elaborada y recargada es 'Como Penélope...', un tema de atmósfera Beatle en el que Lichis echa mano del humor y el melodrama para contar una historia de desamor y noches decadentes.

Bien, tenemos el grupo de canciones rumberas, la triada de temas pop, y falta un tercer bloque que yo definiría como 'Canciones inclasificables'. Es en este cajón* donde metería lo que para mí es la joyita del disco: 'Pinocho', un tema oscuro en la onda del Tom Waits de Swordfishtrombones y Rain dogs. Calificada por Lichis como "folk-punk vallecano", el tema contiene una de las letras más descaradas del álbum. El recitado y la descarga de imágenes de la segunda estrofa recuerdan incluso al estilo de los escritores beat de los 50.

'Tu casa de Terrassa' es otra de esas canciones que se salen de la norma. De acuerdo, es un tema folclórico, una especie de cante de ida y vuelta, pero llevado a un terreno personal, con el sello Lichis tatuado en el corazón de la pieza. Al margen de toda palabrería, es una canción realmente bonita. El acordeón corre a cargo de Cuco Pérez, la guitarra es de Pepo López, y los jaleos, de Guille 'Linga'** (El Combo Linga).

'Siesta' y 'Son las 13:14' suponen los temas más rockeros de Hotel Lichis. El primero está influído por grupos como Blur o Elastica; el segundo bebe del punk y también, en cierto modo, de las formas y maneras de Robe Iniesta. La crudeza de este tema es palpable en algunas estrofas, como la que hace referencia al proceso de desenganche de la cocaína por parte del autor: "Si no me huele a azahar / si no encuentro alegría / moriré de pena matando tu recuerdo / a base de polen, pornografía y poleo menta". Como dato curioso, fijénse, camaradas blogotroters, en el paralelismo entre los métodos de 'desintoxicación' de Lichis y Calamaro, quien aseguró haber dejado la cocaína a base de "terapia de porro y chat" (Rolling Stone, nº 52, febrero 2004, pág. 52).

Y, por último, otro de los temas que merecen una escucha atenta, la canción que da título al disco, 'Hotel Lichis', una pieza en la que "se habla de renacer de las cenizas", según su autor. Sobre acordes folk-rock, el músico de Lavapiés rapea una letra que echa la vista atrás, vuelve a mirar al presente y estira el cuello para otear el futuro. A lo largo de la canción, Lichis vierte versos muy inspirados ("Pasaba las noches mirando al techo / haciendo censo de gotelé"; "No confundo cuatro estrellas con el firmamento / No vale el alpiste esta jaula de tristeza"; "Tú tienes tu canción / yo mi psicoanálisis pagado / Que se acabe la función / al bajar del escenario"). Tras el segundo estribillo, parece como si el artista cogiera carrerilla, tomase el impulso necesario y saltara desde la azotea de un rascacielos para aterrizar en un nuevo estadio vital... La canción gana en intensidad y el madrileño comienza a vomitar frases con una mezcla de rabia y orgullo: "Entonces decidí no regresar jamás a casa / y apechugo como un hombre / y lloro como un niño / y me siento tonto y feliz como un villancico / y le gasto el nombre al amor / canción a canción / dipsomanía de cariño". En definitiva, esta canción resume el espíritu general de un disco con altas dosis de honestidad lírica y musical.

No sé cuál será la experiencia del resto de los mortales. Yo, por mi parte, vuelvo y revuelvo a las 13 canciones de este álbum como si me sometiera a una terapia de cuerpo-mente. Y, al final, escudriñando en el corazón, siempre me encuentro con lo mismo: melancolía y sabores agridulces... pero también ganas de echar pa'lante.

* Como puede apreciarse, al final todos los periodistas necesitamos etiquetar las cosas, meterlas en cajoncitos. Mala práctica la nuestra...

** En el libreto de Hotel Lichis hay un fallo, pues no se incluyó a Guille Linga en los créditos de 'Tu casa de Terrassa'. Fuentes fidedignas confirman que los jaleos son del percusionista, flautista y vocalista de El Combo Linga.

Cambio relámpago de ideas

2007-02-22T22:18:00.000+01:00

Mmmm... pensaba escribir un poquito hoy, pero en el último instante me he decantado por la negativa. Acabo de llegar del (tedioso) trabajo de un (tedioso) día y, aun con esas, vine con la intención de escribir sobre ciertas musiquitas a las que les debo algunas líneas bloggeras. Pero no.

Me bastó sólo un rayo, un pensamieto relámpago, un momento fugaz para cambiar de opinión.

Cenaré en una pseudotranquila soledad y veré 'Noche en la Tierra', de Jim Jarmusch.

P.D.: Estoy esperando una llamada de teléfono por parte del periódico LO.

P.D. 2: Mejor dicho, estoy esperando que LO no ejecute esa maldita llamada.

Indios bailando claqué al ritmo de The Raymond Scott Quintette (Regreso)

2007-02-03T18:11:00.000+01:00

Hola de nuevo, queridos blogotroters:

No escribo 'vuelvo', sino 'regreso'. Saturado por el efecto Penélope, el efecto Almodóvar y el de su última y premiada película, prefiero utilizar un sinónimo del manido verbo. Que me perdonen Gardel y Lepera, pues tan hermosa canción no merece tan sucia ignorancia.

Reaparezco, principalmente, para hacer una recomendación bizarra. ¡Qué menos!

Hace unos días, realmente no sé cuántos, iba conduciendo mi deportivo turbo bólido (turbólido) Renault Clío (qué desfachatez montar a una musa). Serían las siete menos veinte de la tarde o cosa así cuando de mi vetusto radiocasete, trasto con solera y malas pulgas, salió una jauría de sonidos disparatados. Por unos segundos aparté la vista de la carretera para atender a las arcadas del achacoso aparato. Después devolví, muy avispadamente, mi atención a la autovía, que me recordaba que no viajaba solo.

El radiocasete seguía contorsionándose ante los abigarrados sonidos que escupía, hasta que una voz familiar indicó que aquello era una canción que servía como cortinilla a El Ambigú, de Radio 3 (Radio Nacional de España). La voz, por supuesto, era la del director y conductor del programa, Diego A. Manrique, y el dial, cómo no, 96.0, es decir, Radio 3. Pero aquella música descabellada que sonaba no era la original, sino una adaptación de, atención al nombre, Racalmuto. Oídos bien abiertos ante tamaño descubrimiento. Escuchando al gurú Manrique y, más tarde, documentándome en la revista EFE EME, me entero de que los susodichos Racalmuto son una banda liderada por el saxofonista Miguel Malla (hermano de Coque Malla y ex componente de Los Ronaldos y Las Ruedas) que se dedica a intepretar temas de Raymond Scott, director de la orquesta de la CBS, además de músico experimental y pionero de la electrónica allá en los lejanos años cuarenta junto a Robert Moog. Scott es el autor de la música que en ocasiones utiliza como cortinilla El Ambigú.

Bien... vamos atando cabos.

Sigo leyendo el artículo de EFE EME sobre Racalmuto. El texto comienza así: "'War dance for wooden indians'. Miguel Malla recomienda entrar en www.youtube.com y teclear esa frase. Según él, ésa es la manera más rápida para conocer a Raymond Scott (...)". Así que, siguiendo el consejo de Malla, entro en el famoso portal y tecleo la frase indicada. Bien, el líder de Racalmuto tiene razón: el primer vídeo que aparece es 'The Raymond Scott Quintette - War Dance For Wooden Indians'. Me lanzo a la piscina de lo bizarro y desconocido esperando que el baño me siente bien y...

...nunca escuché nada igual...

...Poco a poco, la disparatada música me va enganchando y me voy hundiendo en una atmósfera densa, casi asfixiante...

...¿Por qué esta atracción? ¿Son los sonidos enredados? ¿Acaso el frenético ritmo? ¿Es el glamour del quinteto de Raymond Scott? ¿O el blanco y negro? ¿Son quizás esos indios bailando claqué como posesos?

Esa música encierra algo especial: un enigma, la fórmula mágica del placer... ¿qué sé yo?

Dos nombres...

...Raymond Scott...

...Racalmuto...

(Incluyo vídeo extraído de www.youtube.com, y fotografía de Raymond Scott)

El Chimojo se despide con los sonidos de Martirio, Melingo y Carla Bruni

2007-01-16T16:17:00.000+01:00

La experiencia fue breve pero intensa.

No voy a ponerme a hacer el típico balance, pues no me parece una práctica muy simpática y, además, la andadura de El Chimojo ha sido demasiado fugaz para realizar un análisis.

Ahora bien, puedo decir que hubo momentos realmente mágicos en el programa de Radio Distorsión (RD), emisora digital a la que desde aquí doy mis más sinceros agradecimientos por haberme prestado tiempo y espacio para mis inquietudes. En especial, gracias a Txua de RD y a todos aquellos que prestaron en algún momento oídos a El Chimojo, experiencia radiofónica a la que espero dar continuidad en un futuro (no sé si lejano o cercano) del modo que pueda.

Por motivos que no vienen al caso, no he podido disponer de tiempo suficiente para preparar un programa especial. Lo único que puedo ofrecer es una selección de sonidos deliciosos, algo que siempre ha estado presente en la filosofía de El Chimojo.

De este modo, el programa de esta noche (de 21.00 a 22.00 horas) no pretende ser una entrega extraordinaria ni nada por el estilo, sino sencillamente un programa más, un Chimojo más, algo, creo, que ya de por sí merece la pena.

Hoy pasará por la palestra lo último de Carla Bruni ('No promises', un disco en el que ha musicado poemas de diversos autores del siglo XX). También repasaremos algunas canciones de 'Primavera en Nueva York', el último trabajo de Martirio. Y para terminar echaremos un par de oídos a 'Santa Milonga', álbum que recopila lo mejor de los álbumes de Daniel Melingo 'Tangos bajos' y 'Ufa'.

¡Salud!

(Incluyo fotografías de Martirio, Melingo y Carla Bruni)

Crítica: 'Primavera en Nueva York', Martirio

2007-01-13T17:09:00.000+01:00

Martirio
Primavera en Nueva York
Sony-BMG / Calle 54 Records (2006)
**********
Lo comenta el productor Nat Chediak en el libreto de Primavera en Nueva York, el último disco de Martirio*: a diferencia de los norteamericanos, que suelen cuidar y explorar su cancionero hasta cotas envidiables, los latinos hemos permanecido muchas veces indiferentes ante la grandeza de nuestro patrimonio musical.

Así que para enmendar el desliz, el ‘equipo’ de este álbum (Chediak, Fernando Trueba y, cómo no, la propia Martirio) se propuso grabar un disco de boleros distinto, rastreando en el repertorio menos conocido pero igual o más explosivo que los clásicos de siempre: el perteneciente a la segunda y tercera generación del bolero, enmarcadas en los años cuarenta y cincuenta, década esta última en la que el estilo se dejó influir por la balada estadounidense. De esta forma, nació el ‘filin’ (del inglés ‘feeling’, es decir, ‘sentimiento’). Aquí reside la primera grandeza de este Primavera en Nueva York.

La segunda cima del álbum es, sin duda, el magnífico elenco de músicos que se reunió en los neoyorquinos Avator Studios y que en menos de cinco días acompañó con ricas texturas la inolvidable interpretación de Martirio que, a pesar de estar lejos de su casa, de sus músicos habituales y, en definitiva, de su entorno, supo atacar cada canción con templanza y sentimiento.

Pensado como una suite o álbum conceptual, Primavera en Nueva York narra, a través de doce boleros intoxicados de jazz, bossa y otras mieles, las distintas estaciones de una relación amorosa: el descubrimiento de un mundo nuevo, el desengaño, la reconciliación.

Sin embargo, no es tanto lo de la suite lo que hace que Primavera en Nueva York sea un disco sin fisuras ni irregularidades, sino más bien la perfecta cohesión entre los músicos y Martirio, quien se mueve como un pez en el mar de sonidos de Kenny Drew Jr. (piano), George Mraz (contrabajo) y Dafnis Prieto (batería), tres genialidades que forman la base armónica y rítmica del álbum. A este trío se les unen los siempre acertados aportes de Claudio Roditi (fliscornio), Edgardo Miranda (guitarra) y de dos pesos pesados del jazz: Paquito D'Rivera (clarinete) y Houston Person** (saxofón tenor).

En definitiva, Primavera en Nueva York es pura delicia: desde los cálidos acordes del piano de Kenny Drew Jr. en ‘Ese sentimiento que se llama amor’ (de José Antonio Méndez) hasta el broche final del álbum, la delicada ‘Me faltabas tú’ (también de Méndez), pasando por el bolero-bossa de ‘No puedo callar’ (Mercedes Fernández) -ojo al solo de fliscornio de Roditi-, los culebreos del clarinete de Paquito D’Rivera en ‘Qué me importa’ (Mario Fernández Porta) o el swing de Mraz y Prieto en la fabulosa ‘Mi ayer’ (Ñico Rojas), donde D’Rivera y Kenny Drew Jr. vuelven a hacer diabluras con sus instrumentos.

En una palabra: hermoso.

* Martirio actuará el próximo sábado 20 de enero en el Auditorio Casa de Cultura de Bullas (Murcia), a las 22.00 horas. Precio: 12-15 euros.

** Houston Person también visitará la Región de Murcia. Actuará el próximo sábado 20 de enero en la Carpa Parque Almansa de San Javie, dentro del ciclo Músicas del Alma. Será a las 22.00 horas. Precio: 6 euros.

Tracklist de El Chimojo del martes 9 de enero de 2007

2007-01-10T16:30:00.000+01:00

Saludos a la muchachada blogotroter:

Acá dejo el tracklist de El Chimojo de ayer, día 9 de enero de 2007, dedicado al gran padrino del funk, James Brown.

(Artista/Grupo - 'Canción' - 'Álbum' - Año)

1. James Brown - 'Introduction to James Brown' ('Live at the Apollo', 1963)
2. James Brown - 'Try me' ('Live at the Apollo', 1963)
3. James Brown - 'Please, please, please' ('Please, please, please', 1959)
4. James Brown - 'Papa's got a brand new bag' ('Papa's got a brand new bag', 1965)
5. James Brown - 'I got you (I feel good)' ('I got you (I feel good)', 1965)
6. James Brown - 'It's a man's man's man's world' ('It's a man's man's man's world', 1966)
7. James Brown - 'Get up (I feel like being a) sex machine' (Get up (I feel like being a) sex machine', 1969)
8. James Brown - 'Hot pants' ('Hot pants', 1971)
9. James Brown - 'Say it loud (I'm black and I'm proud)' ('Say it loud: I'm a black and I'm proud', 1969)
10. James Brown - 'King Heroin' ('There it is', 1972)
11. Tom Newton - 'Sex kiss machine. James Brown vs Prince' ('The DMC mix of remixes vol. 2)*
12. Fatboy Slim - 'I got you (I feel good)'*
13. Fatboy Slim - 'Payback' ('The Fatboy Slim / Norman Cook collection', 2000)*
14. Konishi Yasuharu - 'Get up (I feel like being a) sex machine' ('James Brown ultimate remixes', 2002)*

(Incluyo portada del mítico álbum 'I got you (I feel good)', de 1965)

* Remezclas de temas de James Brown.

Especial James Brown en El Chimojo

2007-01-08T13:35:00.000+01:00

El Chimojo regresa mañana a Radio Distorsión después de las vacaciones navideñas. El programa, dirigido y presentado por un servidor, vuelve en su horario habitual: los martes de 21.00 a 22.00 horas.

Entre comidas copiosas, cenas colmadas, presentes y salidas nocturnas a bajas temperaturas, nos sorprendió la triste noticia de la muerte de James Brown, el padrino del funk, un pilar básico de la música negra y una figura cuya influencia ha traspasado los muros de su género para salpicar y, en ocasiones, inundar el mundo del pop y el rock (gente como Prince le debe bastante).

Es cierto que JB dejó de cosechar grandes éxitos hace más de una década, sin embargo, mantuvo alto hasta el final el nivel de los conciertos, siempre explosivos y frenéticos, rebosantes de buen groove crujiente.

Por su idiosincrasia y filosofía, El Chimojo no puede (y no debe) pasar por alto la pérdida de un mito de tal calibre. De este modo, mañana, 9 de enero, el programa estará íntegramente dedicado a JB. En una hora aproximada repasaremos las cimas creativas del Presidente del funk, y además pincharemos alguna que otra curiosidad.

Da igual la raza a la que pertenezcamos, ¡qué carajo!, merece la pena gritarlo bien fuerte: "¡I'm black and I'm proud!"*

* Frase extraída del título del tema de James Brown 'Say it loud (I'm black and I'm proud)', incluida en el álbum homónimo de 1969.

(Incluyo fotografía de James Brown en el concierto que ofreció en el Chastain Park Amphitheatre de Atlanta el 31 de agosto de 2003)

Un recuerdo para James Brown

2007-01-07T19:48:00.000+01:00

Desde acá mando un recuerdo sentido a la memoria de James Brown (Macon, Georgia, 3 de mayo de 1933 - Atlanta, Georgia, 25 de diciembre de 2006) y, a su vez, pido disculpas por no haberme hecho eco antes en este blogo de la pérdida del Presidente del funk.

Ha muerto un mito.

Perdimos al padrino del groove, del ritmo explosivo... perdimos al impulsor del hijo bastardo del soul.

Prometo un texto (aunque sea breve) en próximos días sobre este pilar de la música negra.

JB, ¡nos dejaste huérfanos de tus sonidos abrasivos!

(Incluyo fotografía de James Brown hacia mediados de los 60, en los albores de su carrera artística)

Estrenando nuevo año

2007-01-01T18:56:00.000+01:00

Saludos a la muchachada blogotroter y feliz 2007:

Estrenamos el nuevo año con una sección de críticas discográficas. El primer álbum en pasar por el aro ha sido El palacio de las flores, el último trabajo de Andrés Calamaro hasta la fecha.

Algunas cosas que comentar al respecto:

1. La periodicidad de las críticas está sujeta a una arbitrariedad realmente incalculable.

2. La tarea crítica que acá intento realizar es atemporal, me explico: los discos analizados podrán haber sido publicados en cualquier época, es decir, esto no es estrictamente una criba de las últimas novedades del mercado, sino más bien un escaparate histórico y actual a la vez, con mucha letra pero sin pretensión de erudición, para que la muchachada blogotroter descubra nuevas y viejas grabaciones que merecen la pena.

3. Los asteriscos que aparecen debajo de la información del disco criticado pretenden emular (rudimentariamente) unas estrellas (el diseño web no es lo mío, desde luego). 10 estrellas exáctamente que sirven para puntuar el álbum. Así, cada estrella roja representa un punto. Ya lo sé, y quizás algunos me lo echaréis en cara: yo nunca he sido muy de puntuaciones y listas, pero esta vez he creído conveniente añadir un sistema de puntuación (siempre sometido a ciertas dosis de relatividad) para orientar de forma más directa al lector.

4. Más cosas sobre los asteriscos-estrellas: se supone que todos los discos que analice en este Blogo Bizarro son mínimamente interesantes para el crítico por el mero hecho de aparecer acá, independientemente de la puntuación que obtengan. Por poner un ejemplo: considero que El palacio de las flores, a pesar de haber sido puntuado con un 6, tiene más valor que los últimos discos de David Bisbal o David Bustamante, álbumes estos últimos que no me seducen en absoluto.

5. Para cualquier tipo de comentario (desaveniencia, conformidad, aportación...), ya sabéis, hay una bonita opción al final del post para plasmar impresiones.

Salud (dinero & amor).

(Incluyo fotografía de un servidor saludando al recién nacido 2007)

Crítica: 'El palacio de las flores', Andrés Calamaro

2007-01-01T18:35:00.000+01:00

Andrés Calamaro
El palacio de las flores
DRO (2006)
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Ha pasado algo más de un mes desde que saliera a la venta El palacio de las flores, último disco de Andrés Calamaro. Más de un mes de repetidas escuchas; tiempo suficiente para hacerse una idea global de esta grabación timoneada casi al completo por Litto Nebbia, leyenda viva del rock argentino y propietario del sello Melopea Discos y del bonaerense Estudio del Nuevo Mundo. Allá se grabó El palacio de las flores.

El dato no es anecdótico en absoluto. Todo lo contrario, pues el productor y arreglista del disco supone una pieza importante en el resultado final de las canciones –en este caso también ha sido responsable de la composición de algunas-, y lo cierto es que los temas que forman este álbum podrían haber lucido un mejor vestido.

Como es costumbre en sus producciones, Litto Nebbia ha dejado su huella de forma bastante nítida en los temas, algunos compuestos por Calamaro, otros por Nebbia y el resto en una mano a mano -exceptuando el bolero de Armando Manzanero 'Contigo aprendí'-. De este modo, encontramos arreglos a veces gratuitos, como la cascada de notas de sintetizador y piano al empezar 'El tilín del corazón' (Calamaro) o la amalgama casi caótica de sintes en 'Ser feliz', canción un tanto anodina que cierra un álbum ya de por sí irregular.

Temas como el citado 'El tilín del corazón' y 'Corte de huracán' -éste con toques de funk-, parecen pedir a gritos una pizca más de contundencia y definición. Es como si todo sonara demasiado etéreo.

Algo similar ocurre con 'Punto argentino', una de las canciones más 'folclóricas' del disco. Da la impresión de que un tema así habría salido mejor parado bajo la producción de Javier Limón*, quien le habría dado un colchón sonoro más cálido y orgánico. Y lo mismo sucede en ‘Contigo aprendí’, bien interpretada por la voz de Calamaro aunque con una sección instrumental algo melifluoa.

Pero tampoco se trata de cargar todas las tintas contra Nebbia. Hay que decir que el repertorio general no es de los mejores en comparación con el de otros álbumes similares firmados por Andrés. A lo largo de las 17 canciones de El palacio de las flores se suceden algunas irregularidades, momentos flojos protagonizados por canciones como ‘Lo que nunca se olvida’ (Nebbia), ‘Miami’ (Calamaro / Nebbia) o ‘El compositor no se detiene’ (Nebbia), temas que pasan sin pena ni gloria.

A pesar de todo, también hay aciertos en este álbum. Digamos que puede encontrarse un pequeño bloque de canciones que logran salvar al disco, empezando por el primer single, ‘Corazón en venta’ (Calamaro), el típico hit ‘calamariano’ que además cuenta con una melancólica letra sobre la soledad.

‘Mi bandera’ (Calamaro) es otro de los momentos álgidos del álbum; una canción que, según Andrés, “hace referencia al gran maestro Atahualpa Yupanqui”. El tema puede escucharse como una declaración de principios, como ocurre también con ‘El tilín del corazón’ (Calamaro), otro tema muy calamariano en el que, ¡esta vez sí!, los arreglos de cellos de Nebbia aportan enteros a la canción.

También son acertados los arreglos de cuerda de Litto en ‘Tengo una orquídea’ (Calamaro / Nebbia), una bonita canción sentimental que gana profundidad con las armonías del productor.

‘Patas de rana’ (Calamaro) también suena realmente bien, a pesar de las mutaciones sufridas con respecto a la versión original grabada por Calamaro en la etapa salvaje ‘post-salmón’ (desde 2000 a 2003). El solo de saxo soprano de Pedro Menéndez le da al tema una intensidad especial.

Y, por último, una verdadera joyita, la canción que da título al disco, una pieza compuesta por Calamaro con toques folclóricos en la parte musical y con una letra que funciona como radiografía de algunos episodios infantiles de Andrés, de los problemas sociales y político-económicos de la Argentina de los setenta.

En definitiva, El palacio de las flores no entra en lo mejor de la discografía de Andrés Calamaro. Después de los experimentos con el tango y la canción folclórica argentina reflejada en El cantante (2004) y Tinta roja (2006), parece que ahora vuelve el Calamaro de las canciones rock, de las canciones heróicas y poéticas, ese Calamaro que sangró y sacó sus tripas en Alta suciedad (1997), Honestidad brutal (1999) y El salmón (2000). Pero, ciertamente, El palacio de las flores queda muy por debajo de los trabajos citados.

En cualquier caso, es interesante escuchar con atención este álbum, auque sólo sea por descubrir el nuevo estadio creativo de uno de los artesanos de canciones más inquietos e importantes del rock en castellano.

* Javier Limón produjo los discos de Andrés Calamaro El cantante (2004) y Tinta roja (2006). También ha producido Lágrimas negras (2003) de Bebo Valdés y Diego 'El Cigala', Cositas buenas (2004) de Paco de Lucía, y Mi niña Lola (2006) de Concha Buika, entre otros trabajos.

Tracklist de El Chimojo del martes 19 de diciembre de 2006

2006-12-21T16:38:00.000+01:00

Acá dejo el tracklist de El Chimojo emitido el pasado 19 de diciembre. Recuerdo a la muchachada blogotroter que el programa se toma unas vacaciones para volver ("con la frente marchita") el próximo 9 de enero de 2007, en el mismo horario de siempre, de 21.00 a 22.00 horas, en Radio Distorsión: tu otra alternativa.

(Artista/Grupo - 'Canción' - 'Álbum' - Año)
1. Os Mutantes - 'Quem tem medo de brincar de amor' ('A divina comédia ou ando meio desligado', 1970)
2. David Bowie - 'Rupert the riley' (Inédita. Grabada el 23 de abril de 1971 en los estudios Trident de Londres)
3. David Bowie - 'How lucky you are' (Inédita. Grabda en abril de 1971 en los Trident de Londres)
4. David Bowie - 'Lady Stardust (demo)' (Originalmente titulada 'He was all right (the band was all together)' o también 'Song for Marc'. Grabada en abril de 1971. Incluida como bonus track en la reedición de Rykodisc de 1990 de 'The rise and fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars (1972))
5. David Bowie - 'Shadowman' (También conocida como 'The Man'. Inédita. Se realizaron varias versiones, pero la definitiva se grabó el 14 de septiembre de 1971 en los Trident de Londres)
6. David Bowie - 'Sweet head' (Grabada en noviembre de 1971 en los Trident de Londres. Incluida como bonus track en 1990 en la reedición de Rykodisc de 'The rise and fall..." y en 2002 en la edición especial del 30 aniversario del mítico álbum)
7. David Bowie - 'Port of Amsterdam (Compuesta por Jacques Brel y Mort Shuman. Grabada en 1971 en los Trident de Londres. Se editó por primera vez en la cara B del single de 'Sorrow' el 28 de septiembre de 1973. Más tarde, en 1990 fue reeditada en el CD de 'Pinups' como bonus track y también en la edición del 30 aniversario de 'The rise and fall...")
8. David Bowie - 'Velvet goldmine' (Grabada en noviembre de 1971 en los Trident de Londres. Se suponía que estaría en la cara B de 'The rise and fall...', pero en enero de 1972 se eliminó por cuestiones de censura. En 1975 se editó, sin el permiso de Bowie, como cara B del single de 'Space Oddity'. Más tarde, en 1990 se reeditó como bonus track en la reedición de Rykodisc de 'The rise and fall...' y también en 2002 en la edición del 30 aniversario del álbum)
9. David Bowie - 'Ziggy Stardust (demo)' (Grabada en noviembre de 1971 en los Trident de Londres. Incluida como bonus track en la reedición de 1990 de Rykodisc de 'The rise and fall...' y en 2002 en la edición especial del 30 aniversario del disco)
10. David Bowie - 'All the young dudes' (Grabada en 1972. Versión original del tema que popularizó en 1972 Mott the Hoople. Se incluyó en 2003 como bonus track en la edición especial del 30 aniversario del álbum 'Aladdine Sane'. También hay registrada una versión en directo interpretada por Bowie y los Spiders from Mars el 3 de julio de 1973 y recogida en el álbum y DVD 'Ziggy Stardust an The Spiders from Mars. The Motion Picture', en lo que fue el 'último'* concierto de Bowie como Ziggy Stardust)
11. David Bowie - 'My death' (Compuesta por Jacques Brel para su disco 'Au printemps', de 1959. Esta versión de Bowie intepretada en directo el 3 de julio de 1973 está recogida en el álbum y DVD 'Ziggy Stardust and The Spiders from Mars. The Motion Picture')

(Incluyo fotografías de David Bowie en 1972 y de Os Mutantes con Gilberto Gil (probablemente a finales de los 60)

* Se considera el 3 de julio de 1973 la fecha en que David Bowie 'mató' a su alter ego Ziggy Stardust. Sin embargo, los días 18, 19 y 20 de octubre de 1973 Bowie volvió a actuar con el look de Ziggy (vestuario, peinado, maquillaje...) en el '1980 Floor Show', un espectáculo que registraron las cámaras de la cadena estadounidense NBC en el Marquee Club de Londres y en el que el artista alternó canciones que venía interpretando en sus giras con algunas de las versiones que formaron parte de su disco 'Pinups' (1973) y un tema nuevo, '1984', que se incluiría más tarde en el álbum 'Diamond Dogs' (1974), la grabación que cerraría definitivamente el período glam-rock de David Bowie.

Las rarezas de Ziggy Stardust, hoy en El Chimojo

2006-12-19T17:05:00.000+01:00

De entre todos los alter egos que ha lucido David Bowie a lo largo de su carrera, el de Ziggy Stardust -ya sabéis, esa especie de extraterrestre que vino a la Tierra para convertirse en una estrella del rock- protagonizará El Chimojo de esta noche (de 21.00 a 22.00 horas).

El programa de Radio Distorsión se centrará en algunos de los temas menos conocidos de la época álgida del glam-rock 'bowieano', es decir, entre 1971 y 1973, apenas tres años que sirvieron al de Bristol para publicar hasta cuatro discos (en los tiempos que corren esto es casi impensable): 'Hunky Dory' (RCA, 1971), 'The rise and fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars' (RCA, 1972), 'Aladdin Sane' (RCA, 1973) y 'Pinups' (RCA, 1973).

Las canciones que podrán escucharse esta noche son, sobre todo, descartes, aunque también habrá alguna que otra maqueta.

En los próximos días colgaré el tracklist pertinente para gozo de la muchachada blogotroter.

Por cierto, el de hoy será el último programa hasta que El Chimojo regrese el próximo 9 de enero de 2007. Descanso merecido.

¡Salud!

(Incluyo fotografía de David Bowie en 1972. Autor: Brian Ward).

"Vengan pronto, quédense hasta tarde"

2006-12-17T23:09:00.000+01:00

Así reza el cartel que cuelga sobre la puerta de uno de los salones de cabaret donde actuaba la Venus Rubia, mitológico alias de la siempre glamourosa Marlene Dietrich, y título además de una de las tantas películas de Josef von Sternberg protagonizadas por la berlinesa.

Hace ya más de una semana que vi la cinta ('Blonde Venus', 1932) en la Filmoteca Regional Paco Rabal, un lugar que, por cierto, recomiendo a todo aquel amante del cine.

Era sábado. Acababa de salir del periódico y no se atisbaba en el horizonte ningún plan demoledor. Es más, prefería ignorar cualquier resquicio de noche autodestructiva. Llevaba ya unos pocos días sobrevolando dócilmente el espacio/tiempo… viviendo la vida con cierta tranquilidad, digamos. El caso es que no quería truncar la apacible dinámica en el final de la semana. Una buena película en soledad se antojaba como la mejor manera de desoír los cantos de sirena, el llamamiento siempre sugerente y sutilmente perfumado de ese retorcido ritual que es la noche, en su sentido más libre.

Sigo contando…

Hace más de una semana que vi ‘La Venus rubia’ y aún persiste en mi memoria la imagen de la Dietrich: figura esbelta, de angulosas y hechizantes facciones, cuerpo casi etéreo que parece desprender un halo de… no sé, llámalo elegancia, glamour, sobriedad, gélida sensualidad (si se puede expresar de esta forma)… todo ello mezclado como si se tratara de un cocktail dulcemente fatal.

La Dietrich quiere salvar a su marido, atacado por una enfermedad que sólo puede curarse con un tratamiento muy caro, tanto que la berlinesa tiene que volver a trabajar como cantante de cabaret (no lo había dicho, pero la chica era cabaretera antes de casarse) para así poder pagar la cura de su querido marido. Las intenciones de la Dietrich son loables pero, ¡ay!, no contaba con las trampas de un destino disfrazado de Cary Grant y, ¿quién puede resistirse al bueno de Cary?

No voy a contar a la muchachada blogotroter nada más. Prefiero dejar esto así, dando solamente unas lacónicas pinceladas que sirvan (si es que es posible) como aceite estimulante para vuestra corrosivas mentes.

Hasta la próxima.

(Incluyo uno de los carteles de 'La Venus rubia')